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Cabeza de un hombre sumerio de Tell Asmar

Cabeza de un hombre sumerio de Tell Asmar


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Conjunto de tarjetas flash compartidas

* Encontrado en Austria. Se enfatizó mamas, estómago, área púbica. Más una representación que un retrato. Mujer ideal prehistórica: en el arte más antiguo, la humanidad está formada casi exclusivamente por mujeres en lugar de hombres, y los pintores y escultores las mostraban casi invariablemente desnudas, aunque los estudiosos generalmente asumen que durante la Edad del Hielo tanto mujeres como hombres vestían prendas que cubrían partes de sus cuerpos. . Cuando los arqueólogos descubrieron por primera vez las estatuillas de mujeres del Paleolítico, las llamaron 'ldquoVenuses' en honor a la diosa grecorromana de la belleza y el amor, a quien los artistas solían representar desnuda. El apodo es inapropiado y engañoso. Es dudoso que las figurillas de la Edad de Piedra representaran deidades de cualquier tipo. Una de las figuras femeninas prehistóricas más antiguas y famosas es la pequeña figura de piedra caliza de una mujer que durante mucho tiempo ha sido conocida como la Venus de Willendorf por su lugar de hallazgo en Austria. Su grupo de formas casi esféricas es inusual, el resultado en parte de la respuesta del escultor y rsquos a la forma natural de la piedra seleccionada para tallar. La exageración anatómica ha sugerido a muchos que esta y otras estatuillas similares sirvieron como imágenes de fertilidad. Pero existen otras mujeres de piedra del Paleolítico de proporciones mucho más esbeltas, y el significado de estas imágenes es tan esquivo como todo lo demás sobre el arte paleolítico. Sin embargo, la preponderancia de figuras femeninas sobre masculinas en la Edad de Piedra parece indicar una preocupación por las mujeres, cuyas capacidades de procrear aseguraron la supervivencia de la especie. El escultor no apuntó al naturalismo en forma y proporción. Como ocurre con la mayoría de las figuras del Paleolítico, el escultor no esculpió ningún rasgo facial. Aquí, el tallador sugirió solo una masa de cabello rizado o, como algunos investigadores han argumentado recientemente, un sombrero tejido con fibras vegetales, evidencia del arte de la fabricación textil en una fecha muy temprana. El pecho de las mujeres Willendorf es enorme, mucho más grande que los diminutos antebrazos y manos que descansan sobre ellas. El tallador también se esforzó por marcar en la piedra el contorno del triángulo púbico. Los escultores a menudo omitieron este detalle en otras figurillas tempranas, lo que llevó a algunos estudiosos a cuestionar la naturaleza de estas figuras como imágenes de fertilidad. Cualquiera que sea el propósito de estas estatuillas, la intención de los fabricantes parece haber sido representar no a una mujer específica sino a la forma femenina.


Bensozia

Se llamaron a si mismos ùĝ saĝ gíg-ga, los de cabeza negra. Sus vecinos de habla semítica llamaban a su tierra Shumer o Sumer, y este es el nombre que nos llega. Vivían en el sur de Mesopotamia hacia el 4100 a. C., pero cuando llegaron allí y de dónde vinieron son preguntas difíciles y tema de mucho ruido y furia escolástica. Su idioma no tiene parientes conocidos, y sus propias historias sobre vagar por la tierra y ser conducidos por los dioses a su hogar posterior se parecen demasiado a muchas otras historias similares para que los cínicos modernos las acepten. (Ebih II, superintendente de Mari, c. 2400 a. C.)

Vengan de donde vengan, una vez que se establecieron en Sumer se embarcaron en una notable reinvención de la vida humana. Al controlar el flujo de los ríos con complejos sistemas de riego, cultivaron suficientes alimentos para sustentar a un gran número de no agricultores. Se reunieron en pueblos que se convirtieron en pequeñas ciudades, rodeadas de muros de ladrillo. (Toro de bronce y plata, origen desconocido, c. 2900 a 2600 a. C.)

Sus gobernantes se inventaron un nuevo estatus, ya no eran jefes de guerra o ancianos, se convirtieron en reyes y se sentaron en tronos en lujosos salones del trono, rodeados de oficiales y guardias armados. (Un gobernante desconocido c. 2400-2200 a. C., del Louvre)

A medida que se hicieron más ricos, invirtieron gran parte de su excedente en religión. A lo largo de los siglos, sus templos se convirtieron en pueblos en sí mismos, y las plataformas que albergaban sus santuarios se convirtieron en pequeñas montañas. (Grupo de ídolos votivos del Tesoro de Tell Asmar, c. 2900-2600 a. C.).

Enlil, el gran dios de la tierra.

Adoradores masculinos y femeninos, ahora en el Louvre, c. 2100 a. C.

Para hacer un seguimiento de su riqueza, los templos desarrollaron ayudas para la memoria cada vez más elaboradas: diferentes formas y números de contadores de arcilla, sellados en sobres de arcilla, pequeños dibujos y números rayados en arcilla y, finalmente, listas escritas con símbolos que se podían leer en voz alta como palabras. Si no fueron los inventores de la escritura, estuvieron entre sus primeros practicantes. (Tablilla de Ur-Nammu, C. 2100 a. C.).

Porque escribieron, sabemos sus nombres. Este es el famoso gobernante Gudea de Lagash (c. 2150-2100 a. C.), sosteniendo un recipiente rebosante de agua que simboliza el dominio de los ríos y canales.

Una de las relaciones femeninas de Gudea.

Jarrón de Warka, c. 2200 a. C.

Amaban el arte y llenaban sus templos, palacios y tumbas con cosas hermosas. (León de esteatita con incrustaciones)

Hueveras de avestruz de Ur, c. 2600 a. C.

Gran parte del arte más hermoso de Sumer proviene de las Tumbas Reales de Ur, excavadas por arqueólogos británicos, estadounidenses e iraquíes entre 1922 y 1934. Las tumbas datan de entre el 2600 y el 2400 a. C. Parte de su fama deriva de los asombrosos objetos que se encuentran en ellos, pero parte también de la evidencia de que decenas de sirvientes o esclavos fueron sacrificados para acompañar a los reyes y reinas al más allá. (Base de un cuenco de oro de Ur)


Ciudades-estado en Mesopotamia

A finales del IV milenio antes de Cristo, Sumer estaba dividida en alrededor de una docena de ciudades-estado independientes, que estaban divididas por canales y mojones. Cada uno estaba centrado en un templo dedicado al dios o diosa patrón particular de la ciudad y gobernado por un gobernador sacerdotal (ensi) o por un rey (lugal) que estaba íntimamente ligado a los ritos religiosos de la ciudad.

Las cinco "primeras" ciudades que se dice que ejercieron la realeza predinástica:

  1. Eridu (Dile a Abu Shahrain)
  2. Bad-tibira (probablemente Dile a al-Madain)
  3. Larsa (Dile as-Senkereh)
  4. SipparDile a Abu Habbah)
  5. Shuruppak (Dile a Fara)
  1. UrukWarka)
  2. KishDile a Uheimir & amp Ingharra)
  3. Ur (Dile a al-Muqayyar)
  4. NippurAfak)
  5. Lagash (Dile a al-Hiba)
  6. GirsuTello o Telloh)
  7. UmmaDile a Jokha)
  8. Hamazi 1
  9. Adab (Dile a Bismaya)
  10. MariDile a Hariri) 2
  11. Akshak 1
  12. Akkad 1
  13. Es en (Ishan al-Bahriyat)

(1 ubicación incierta)
(2 una ciudad periférica en el norte de Mesopotamia)

Ciudades menores (de sur a norte):

  1. KuaraDile a al-Lahm)
  2. ZabalaDile a Ibzeikh)
  3. Kisurra (Dile a Abu Hatab)
  4. MaradDile a Wannat es-Sadum)
  5. Dilbat (Dile a ed-Duleim)
  6. BorsippaBirs Nimrud)
  7. KuthaDile a Ibrahim)
  8. Der (al-Badra)
  9. EshnunnaDile a Asmar)
  10. Nagar (Dile a Brak) 2

(2 una ciudad periférica en el norte de Mesopotamia)

Aparte de Mari, que se encuentra a 330 km (205 millas) al noroeste de Agade, pero que se acredita en la lista de reyes por tener `` realeza ejercida '' en el período Dinástico Temprano II, y Nagar, un puesto de avanzada, estas ciudades están todas en el Éufrates. Llanura aluvial del Tigris, al sur de Bagdad en lo que ahora son las gobernaciones de Irak B & # x101bil, Diyala, W & # x101sit, Dhi Qar, Basra, Al-Muthann & # x101 y Al-Q & # x101disiyyah.


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Desconocido, egipcio, Relieve de Nebhepetre Mentuhotep II y la Diosa Hathor, c. 2010–2000 a. C. H. 14 3/16 pulg. (36cm) 38 9/16 pulg. (98 cm). Donación del Fondo de Exploración de Egipto, 1907, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. No. de Adhesión: 07.230.2.

Durante miles de años, la escultura ha cumplido muchos roles en la vida humana. La escultura más antigua probablemente se hizo para proporcionar ayuda mágica a los cazadores. Después de los albores de la civilización, se utilizaron estatuas para representar a los dioses. Los reyes antiguos, posiblemente con la esperanza de hacerse inmortales, hicieron esculpir semejanzas y nació la escultura de retratos. Los griegos hicieron estatuas que representaban a hombres y mujeres perfectamente formados. Los primeros cristianos decoraban las iglesias con demonios y diablos, recordatorios de la presencia del mal para los muchos feligreses que no sabían leer ni escribir.

Desde sus inicios hasta la actualidad, la escultura ha sido en gran parte monumental. En el siglo XV, se construyeron monumentos a los héroes bíblicos en las calles de las ciudades italianas, y en el siglo XX se construyó un monumento a un compositor en el corazón de la ciudad de Nueva York. Las grandes fuentes con esculturas en el centro son tan comunes junto a los rascacielos modernos como en los patios de los palacios antiguos. Los antiguos sumerios celebraron la victoria militar con esculturas. Los participantes de la Segunda Guerra Mundial también usaron esculturas para honrar a sus soldados.

ESCULTURA PREHISTÓRICA

La escultura puede ser la más antigua de las artes. La gente tallaba antes de pintar o diseñar viviendas. Los primeros dibujos probablemente fueron tallados en roca o incisos (rayados) en la tierra. Por tanto, estos dibujos fueron tanto precursores de la escultura en relieve como de la pintura.

Solo unos pocos objetos sobreviven para mostrar cómo era la escultura hace miles de años. Sin embargo, hay cientos de ejemplos recientes de esculturas realizadas por personas que viven en culturas primitivas. Estos ejemplos pueden ser similares a la escultura prehistórica.

De la escultura primitiva reciente y de las pocas piezas prehistóricas que se conservan, podemos juzgar que la escultura prehistórica nunca se hizo para ser hermosa. Siempre fue hecho para usarse en rituales. En su constante lucha por la supervivencia, los primeros hacían esculturas para brindar apoyo espiritual.

Figuras de hombres, mujeres y animales y combinaciones de todos estos sirvieron para honrar las fuerzas extrañas y a veces aterradoras de la naturaleza, que eran adoradas como espíritus malos o buenos. Figuras de formas extrañas deben haber representado oraciones por hijos fuertes, buenas cosechas y abundancia de caza y pescado. Los sacerdotes o curanderos usaban esculturas en forma de máscaras en danzas diseñadas para ahuyentar a los espíritus malignos o pedir favores a los buenos.

ESCULTURA DEL MUNDO ANTIGUO

Las primeras civilizaciones de Egipto, Mesopotamia, el valle del Indo y China desarrollaron gradualmente formas de escritura alrededor del 3000 a. C. Las personas de estas civilizaciones, al igual que sus antepasados ​​prehistóricos, también expresaron creencias profundamente sentidas en la escultura.

La escultura egipcia y todo el arte egipcio se basaron en la creencia en una vida después de la muerte. El cuerpo del gobernante egipcio, o faraón, fue cuidadosamente preservado y los bienes fueron enterrados con él para satisfacer sus necesidades para siempre. Las pirámides, grandes tumbas monumentales de Giza, fueron construidas para los primeros gobernantes más poderosos. El faraón y su esposa fueron enterrados en cámaras excavadas profundamente dentro de los enormes bloques de piedra.

Las estatuas de tamaño natural e incluso más grandes, talladas en pizarra, alabastro y piedra caliza, tenían una forma tan regular y simple como las propias tumbas. Colocadas en los templos y dentro de las cámaras funerarias, estas estatuas eran imágenes de los gobernantes, los nobles y los dioses adorados por los egipcios. Los egipcios creían que el espíritu del difunto siempre podía volver a estas imágenes. Cientos de estatuillas más pequeñas en arcilla o madera mostraban a personas dedicadas a todas las acciones normales de la vida: amasar pan, navegar, contar ganado. Estas estatuillas eran asombrosamente realistas. Las escenas talladas en relieve y pintadas en las cámaras de las tumbas o en las paredes del templo describen la vida egipcia en toda su variedad.

Los escultores egipcios siempre presentaron las ideas con claridad. El faraón o noble se hace más grande que las personas menos importantes. En la escultura en relieve se muestra claramente cada parte de una figura. Un ojo que mira hacia adelante se coloca contra el perfil de una cara, la parte superior del cuerpo mira hacia el frente y las piernas vuelven a estar de perfil.

Los egipcios a menudo combinaban características de varias criaturas para simbolizar ideas. Por ejemplo, la cabeza humana del faraón Khafre se agrega a la figura agachada de un león para formar la Gran Esfinge. Esta composición sugiere la combinación de inteligencia humana y fuerza animal.

Los escultores egipcios realizaron figuras de pie y sentadas en forma redonda y en relieve. Los cambios de estilo revelan circunstancias cambiantes. Los retratos de los gobernantes del Reino Medio (2134? -1778? A. C.) pierden la fuerza y ​​el vigor de los de sus antepasados ​​en Giza. Los rostros están cansados, tristes y cansados. Una mayor energía y fuerza regresa en el período del mayor poder de Egipto, el Nuevo Reino (1567-1080 a.C.). Figuras colosales como las de Ramsés II a la entrada de su tumba en Abu-Simbel son amplias, poderosas y dominantes. Un retrato más pequeño de Ramsés II muestra el acabado suave, la artesanía precisa y la elegancia del arte tardío del Nuevo Reino.

La "tierra entre los ríos", Mesopotamia, tenía una sociedad mucho menos estable que Egipto y carecía de las grandes cantidades de piedra de Egipto para la escultura monumental. Sus ciudades fueron a menudo destruidas por inundaciones y ejércitos invasores.

Los primeros ejemplos de escultura en esta región se formaron con materiales ligeros: arcilla cocida y sin cocer, madera o combinaciones de madera, conchas y pan de oro. Un grupo de figuras de piedra de Tell Asmar representa a dioses, sacerdotes y adoradores de una manera muy diferente a la escultura egipcia. Estas figuras tienen forma de cono, con faldas ensanchadas, cabezas pequeñas, narices enormes como picos y ojos grandes y fijos.

Las esculturas de piedra de palacios urbanos tan fuertemente fortificados como Nínive, Nimrud y Khorsabad revelan el carácter agresivo y belicoso de los conquistadores posteriores (siglo X a.C.) de esta región, los asirios. En las entradas de sus palacios, los asirios colocaron enormes símbolos del poder y la majestad del rey en forma de colosales monstruos guardianes: toros alados de cinco patas con cabezas humanas. Losas de piedra talladas en relieve con escenas de cacerías, batallas, banquetes de victoria y rituales ceremoniales se colocaron a lo largo de los muros inferiores dentro de los palacios.

Se puede ver una mayor luminosidad y brillo en un centro aún más tardío de esta región, Babilonia. Los babilonios utilizaron azulejos de colores brillantes en sus relieves.

Conquistadores persas que ocuparon Babilonia en el siglo VI a.C. trajo consigo una tradición de artesanía fina. Esta habilidad persistió mientras continuaban creando magníficos diseños en bronce y oro. A veces, los diseños son patrones ornamentales puramente abstractos, a veces son formas de animales libremente moldeadas en elegantes figuras. La escultura en relieve del gran palacio de Darío en Persépolis (comenzada alrededor del 520 a. C.) conserva algunos rasgos asirios. Las figuras tienen cabezas con cabello y barba muy rizados. Las áreas planas delimitadas por líneas de corte nítido contrastan con las ricamente estampadas. Las figuras de esta escultura están suavemente curvadas y las cortinas redondeadas son finas y ligeras.

Los movimientos fáciles y naturales de estas figuras que marchan en majestuosa procesión a lo largo de las paredes del palacio de Persépolis bien pueden reflejar las cualidades de los escultores más originales de la época (siglo VI a.C.), los griegos.

Solo quedan algunos ejemplos de escultura de la colorida civilización minoica en la isla de Creta. Pequeñas estatuillas de marfil y terracota de diosas-serpientes, sacerdotisas y acróbatas y copas con escenas en relieve como un toro atrapado en una red o cosechadoras que regresan de los campos ofrecen animadas sugerencias de minoicos en acción.

Solo quedan algunos ejemplos de escultura de la colorida civilización minoica en la isla de Creta. Pequeñas estatuillas de marfil y terracota de diosas serpientes, sacerdotisas y acróbatas y copas con escenas en relieve, como un toro atrapado en una red o los cosechadores que regresan de los campos, brindan animadas sugerencias de los minoicos en acción.

El poder pasó de Creta al continente, pero se han encontrado pocas esculturas de sitios como Tirinto o Micenas. La Puerta de los Leones en Micenas (alrededor de 1250 a. C.), con sus dos enormes bestias que protegen la entrada a la ciudad fortificada, es una escultura monumental excepcional de esta época. La máscara de oro batido de Agamenón es memorable por su sugerencia de los grandes héroes de las leyendas homéricas. La máscara fue encontrada enterrada con copas de oro, dagas, corazas y otros objetos en las tumbas y tumbas de tiro de Micenas.

Alrededor del 600 a.C., Grecia desarrolló una de las grandes civilizaciones de la historia del mundo. La escultura se convirtió en una de las formas de expresión más importantes de los griegos.

La creencia griega de que "el hombre es la medida de todas las cosas" no se muestra más claramente en ninguna parte que en la escultura griega. La figura humana fue el tema principal de todo el arte griego. A partir de finales del siglo VII a.C., los escultores en Grecia buscaron constantemente mejores formas de representar la figura humana.

Los griegos desarrollaron una figura de pie de un hombre desnudo, llamado Kouros o Apolo. El Kouros sirvió para representar dioses y héroes. La Kore, o la figura de pie de una mujer vestida, era más elegante y se utilizaba para representar a doncellas y diosas. La figura femenina alada, o Nike, se convirtió en la personificación de la victoria.

El hecho de que los escultores griegos concentraran sus energías en un número limitado de problemas puede haber contribuido a provocar los rápidos cambios que se produjeron en la escultura griega entre el siglo VII y finales del siglo IV a. C. El paso de la abstracción al naturalismo, de figuras simples a realistas, tuvo lugar durante este período. Las figuras posteriores tienen proporciones normales y se paran o se sientan fácilmente en poses perfectamente equilibradas.

Los historiadores han adoptado un conjunto especial de términos para sugerir los principales cambios en el desarrollo de la escultura griega y del arte griego en general. La fase temprana, o Arcaica, duró unos 150 años, desde el 625 al 480 a.C. Un breve intervalo llamado Clásico Temprano o Severo, de 480 a 450 a.C., fue seguido por medio siglo de escultura clásica. Clásico tardío indica que el arte griego se produjo entre 400 y 323 a. C., y el arte helenístico se hizo entre 323 y 146 a. C.

La función más importante de la escultura griega era honrar a dioses y diosas. Las estatuas se colocaron en templos o se tallaron como parte de un templo. Los templos griegos eran santuarios creados para preservar las imágenes de los dioses. La gente adoraba al aire libre.

La escultura griega cambió con la civilización griega. El Hermes de Praxiteles es más delgado y elegante que el fuerte y vigoroso SpearBearer, de Polykleitos.Las figuras de Skopas del mausoleo de Halicarnaso son más duras y dramáticas que las figuras silenciosas y controladas de Fidias.

Los escultores helenísticos enfatizaron la figura humana. Reflejaron los grandes cambios en su mundo cuando trataron de nuevas formas temas tradicionalmente favorecidos por los escultores griegos anteriores. Se desarrolló un nuevo interés en las fases de la vida, desde la niñez hasta la vejez extrema. Los escultores describieron sus figuras de la manera más natural y exacta posible. Una anciana enferma vuelve cojeando dolorosamente del mercado, un niño casi mata a un pobre ganso.

Los griegos fueron derrotados por los romanos, pero el estilo helenístico duró siglos. La escultura griega sobrevivió porque los romanos quedaron muy impresionados por el arte griego. Desde los primeros días de la república, los romanos importaron ejemplos de arte griego, encargaron copias de obras griegas famosas y encargaron a escultores griegos que hicieran temas romanos.

ESCULTURA ETRUSCA Y ROMANA

La escultura y el arte griegos se habían exportado a Italia mucho antes de que los romanos gobernaran la tierra. Hacia los siglos VII y VI a.C. los etruscos estaban firmemente asentados en Italia. Se han encontrado y se siguen encontrando cientos de objetos en vastos cementerios etruscos. Algunas de las esculturas y muchos jarrones son griegos, mientras que otros son traducciones etruscas animadas de formas griegas. Muchas pequeñas figuras de bronce de granjeros, guerreros o dioses muestran los grandes talentos de los etruscos como metalúrgicos y escultores.

Roma se benefició de la doble herencia artística de la escultura griega y etrusca. La inventiva de los escultores romanos se suma a esta herencia. Las aportaciones más importantes de los escultores romanos fueron los retratos.

El desarrollo de la escultura romana fue inverso al de la escultura griega. En lugar de pasar de formas abstractas bastante simples a estatuas más naturales y realistas, la escultura romana, una vez realista, se volvió mucho más simple y abstracta.

ESCULTURA CRISTIANA TEMPRANA

La escultura paleocristiana se parecía al arte de Roma. Los sarcófagos (cofres funerarios) que se encuentran en Italia son todos de tipo romano, aunque los temas, signos o símbolos importantes para los cristianos les dan un significado especial.

La escultura, sin embargo, no era una forma de expresión natural para los primeros cristianos. Esto se debe a que uno de los Diez Mandamientos prohíbe la realización de imágenes grabadas (talladas). Muchos cristianos primitivos interpretaron este mandamiento, al igual que los hebreos, en el sentido de que estaba mal hacer cualquier imagen de la figura humana. Finalmente, las autoridades eclesiásticas decidieron que el arte podía servir al cristianismo. Era solo la fabricación de ídolos (dioses falsos) lo que se consideraba una violación del mandamiento.

En el siglo V d.C., la mitad occidental del Imperio Romano cayó ante las tribus germánicas invasoras del norte y centro de Europa. Estos pueblos pronto se hicieron cristianos y difundieron la religión por toda Europa. A diferencia de los romanos, los pueblos germánicos no tenían tradición de representación humana en el arte. Su arte consistía principalmente en patrones y formas complejos utilizados para la decoración. Influyó en el arte cristiano tanto como lo hizo el arte grecorromano.

Hay relativamente pocos ejemplos de escultura realizada en los primeros 1000 años del cristianismo. Entre estos raros ejemplos se encuentran altares portátiles, relicarios (recipientes para los restos de santos y mártires cristianos), cálices y otros objetos utilizados en los servicios del culto cristiano. Estos fueron formados con gran cuidado y a menudo estaban hechos de materiales preciosos. Los escultores utilizaron el medio frágil y encantador del marfil de muchas maneras. Lo esculpieron en relieve para pequeños altares o como cubiertas para los Evangelios, la Biblia o los libros de oraciones. Figuras pequeñas e independientes representaban a la Virgen y el Niño Jesús, ángeles o santos cristianos.

Un nuevo y brillante capítulo en el arte cristiano comenzó después del año 1000. Durante los siguientes tres siglos, escultores, arquitectos, albañiles, carpinteros y cientos de otros artesanos crearon algunas de las iglesias cristianas más impresionantes jamás construidas.

Estos artistas trabajaron a una escala más audaz y más grande de lo que había sido posible durante cientos de años. Para sus ideas, buscaron los mejores ejemplos de grandes estructuras que conocían: edificios romanos. El término "románico" sugiere las cualidades romanas del arte de los siglos XI y XII. Estos artistas posteriores hicieron cambios importantes. Las iglesias románicas alemanas se diferencian de las italianas y las españolas de las francesas. Las ideas de talla, construcción y pintura circularon libremente, ya que la gente a menudo iba en peregrinaje para adorar en lugares sagrados en diferentes países.

Un ejemplo de escultura románica de principios del siglo XI muestra la forma en que se tradujeron las ideas romanas. Las puertas de bronce de la Catedral de Hildesheim tienen diez paneles con escenas de la Biblia. La ubicación, el propósito y la disposición de estas grandes puertas recuerdan claramente a las puertas de Santa Sabina en Roma del siglo V. Pero los detalles son diferentes. Las pequeñas figuras giran y giran libremente. Sus cabezas y manos están agrandadas y se destacan de la superficie del relieve.

La escultura después del siglo XII cambió gradualmente de las abstracciones claras y concentradas del arte románico a una apariencia más natural y realista. Las figuras humanas mostradas en proporciones naturales fueron talladas en alto relieve en columnas y portales de iglesias.

A medida que los escultores góticos se volvieron más hábiles, también obtuvieron mayor libertad e independencia. Las figuras góticas posteriores se representan de manera mucho más realista que las realizadas durante los períodos románico y gótico anterior. Los rostros de las estatuas tienen expresión y sus vestimentas están drapeadas de forma natural. Cientos de tallas en las grandes catedrales góticas de toda Europa occidental presentaban aspectos de la fe cristiana en términos que todo cristiano podía entender.

La gran era de la construcción llegó a su fin a principios del siglo XIV. Una serie de guerras y crisis impidieron la construcción de algo más que pequeñas capillas y algunas adiciones a estructuras anteriores. En lugar de los grandes programas de escultura monumental que en el siglo XIII habían enriquecido catedrales como las de Amiens, París, Reims, Wells, Burgos y Estrasburgo, sólo se encuentran pequeñas estatuillas y objetos, utilizados para devociones privadas.

ESCULTURA DEL RENACIMIENTO

La península italiana, que se adentraba en el mar Mediterráneo, en la encrucijada de varios mundos, había sido el corazón del Imperio Romano. Roma era el centro del mundo cristiano occidental. Más tarde, el noreste de Italia, especialmente Venecia, se convirtió en la puerta de entrada al Cercano Oriente y Oriente. Los artistas italianos nunca aceptaron por completo los estilos góticos que dominaban el arte en Europa occidental. La razón es que los artistas italianos estuvieron rodeados por los restos de la Edad Clásica y expuestos a la influencia oriental del arte bizantino. (El artículo Arte y arquitectura bizantinos se puede encontrar en esta enciclopedia).

Ya en el siglo XIII los italianos plantaron las semillas de una nueva era: el Renacimiento. Aunque los elementos del arte medieval y bizantino contribuyeron en gran medida a la formación de la escultura renacentista, los artistas italianos estaban interesados ​​en revivir el enfoque clásico del arte. ("Renacimiento" significa "nacimiento").

El cambio más significativo en el arte que se produjo en el Renacimiento fue el nuevo énfasis en la glorificación de la figura humana. La escultura ya no era para tratar solo con los santos idealizados y las figuras esculpidas de ángeles comenzaron a parecer más realistas.

La escultura en relieve de Nicola Pisano (1220-84) pronostica la nueva era. A finales del siglo XIII, Pisano talló figuras masculinas desnudas en el púlpito de una iglesia. (La figura desnuda no se había utilizado en escultura desde la caída de Roma.) Aunque Pisano obviamente trató de copiar las figuras heroicas del arte clásico, sabía poco sobre anatomía humana, y su trabajo todavía tenía las proporciones de la escultura bizantina y medieval.

A principios del siglo XV, el Renacimiento estaba en marcha. El escultor Donatello creó el primer desnudo independiente desde la época clásica, una figura de bronce de David. Donatello entendió claramente toda la anatomía de la figura tan bien que pudo presentar al joven héroe bíblico con facilidad y seguridad. A principios del siglo XVI, la herencia escultórica de otro florentino, el gran pintor y escultor Michelangelo Buonarroti, era tal que su versión de David es casi sobrehumana en su fuerza y ​​fuerza.

Donatello y sus contemporáneos Lorenzo Ghiberti (1378-1455) y Jacopo della Quercia (1378? -1438) se convirtieron en los maestros tanto de la figura humana independiente como de la escultura en relieve. Los paneles de piedra de Jacopo en San Petronio, Bolonia, son poderosos y emocionales. Las famosas puertas de bronce de Ghiberti del Baptisterio de Florencia muestran su control de la ciencia de la perspectiva y su manejo magistral de la figura humana.

Una gran cantidad de escultores trabajaron con estos hombres y, a su vez, capacitaron a escultores más jóvenes. Sus talentos individuales variaron y se aplicaron a una serie de problemas escultóricos diferentes. Los temas cristianos continuaron siendo importantes, pero además, se crearon fuentes, retratos, tumbas, estatuas ecuestres y temas de la mitología clásica para satisfacer una demanda viva. Luca della Robbia (1400? -82) y otros desarrollaron una nueva terracota vidriada media. Era un sustituto popular y atractivo del mármol más caro.

Sin duda alguna, Miguel Ángel se convirtió en la figura dominante de la escultura del siglo XVI, y muchas personas lo consideran la figura más grande de la historia del arte. Toda su escultura, desde la primera Piedad bellamente acabada hasta el trágico fragmento de la Piedad Rondanini, que quedó inconclusa a su muerte, fue realizada con habilidad y poder. Los contemporáneos de Miguel Ángel y los escultores que vivieron en años posteriores en Italia y en otros lugares desarrollaron un estilo decorativo más elegante, apoyándose en un acabado suave y preciso y diseños complejos y elaborados. Este estilo se llamó manierismo.

Los escultores del siglo XVII continuaron lidiando con la misma amplia variedad de problemas escultóricos que sus predecesores del Renacimiento, utilizando la figura humana como forma de expresión. Sin embargo, reaccionaron contra el manierismo de los escultores de finales del siglo XVI. En cambio, trabajaron para volver a la mayor fuerza de Miguel Ángel y la energía y agilidad de la escultura del siglo XV.

Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680) fue, como Miguel Ángel, un artista talentoso. En una carrera larga y productiva, se convirtió fácilmente en la figura dominante en su propio país y en uno de los artistas más importantes de Europa durante un período brillante y creativo. El David de Bernini revela su admiración por Miguel Ángel y su propia originalidad. Tiene la amplitud y la fuerza del David de Miguel Ángel, pero es una figura mucho más activa y menos trágica. Las figuras de Bernini se colocan en poses dramáticas, como si fueran actores en un escenario, acercándose al observador. Como resultado, nos sentimos atraídos hacia ellos y su gracia.

Las cualidades básicas del arte del siglo XVII se trasladaron al siglo XVIII, pero se transformaron para el gusto de una generación diferente. El término "rococo" sugiere la preferencia por efectos más alegres, ligeros y decorativos en la escultura y en todas las artes.

Jean Baptiste Pigalle (1714-85) y Étienne Maurice Falconet (1716-91) muestran la misma destreza técnica que Bernini, pero sus figuras son ligeras y alegres. La habilidad revelada en su delicado trabajo, con sus diminutas figuras de formas dulces y su movimiento elegante, representa un cambio marcado de la fuerte intensidad religiosa de la obra de Bernini.

Las estatuillas y estatuas de pequeños grupos fueron diseñadas como adiciones agradables y a menudo ingeniosas a las hermosas habitaciones. Los talentos individuales de los escultores y sus esfuerzos conjuntos crearon un efecto ornamental. La misma brillantez y habilidad también creó un grupo de iglesias magníficamente hermosas en el sur de Alemania.

ESCULTURA NEOCLÁSICA Y ROMÁNTICA

El péndulo del gusto tomó una nueva dirección a finales del siglo XVIII, mientras Clodion (1738-1814) y otros escultores rococó aún estaban activos. Esta dirección, llamada neoclásica para describir el regreso deliberado a la temática y el estilo clásicos, duró casi un siglo. El cambio se puede ver en la obra del distinguido escultor Jean Antoine Houdon (1741-1828). Su estatua de George Washington podría compararse con un retrato de un emperador romano.

La figura más destacada de la escultura neoclásica fue el italiano Antonio Canova (1757-1822). Canova era una de las favoritas de los reyes y nobles de Europa. Su especialidad era el monumento en el que un estadista u otra figura importante se vistió con las túnicas y guirnaldas de figuras clásicas. Canova imitaba francamente a los escultores antiguos. Su Perseo y Los pugilistas se exhiben en el Vaticano con escultura clásica antigua.

Durante el siglo XIX muchos escultores se rebelaron contra la tradición neoclásica. Querían que sus obras de arte dijeran algo, expresaran una idea o un sentimiento. Querían copiar la naturaleza, no las obras de otros escultores. François Rude (1784-1855) fue uno de los primeros en reaccionar contra la frialdad del estilo neoclásico.

Una intensidad de emoción da vida a la obra de Antoine Louis Barye (1795-1875). Jaguar devorando una liebre es un escenario emocionante de conflicto y lucha violenta.

Aunque el movimiento romántico estaba creciendo, muchos artistas todavía preferían trabajar en la tradición clásica seguida en las academias. En la década de 1860, un joven escultor llamado Auguste Rodin fue rechazado tres veces de la École des Beaux-Arts, la academia de París. A finales de siglo, era el escultor más famoso de Francia y de la mayor parte de Europa.

Aunque Rodin buscó copiar la naturaleza, usó muchas técnicas nuevas. Tanto los huecos como las partes elevadas de una superficie eran importantes para Rodin. Experimentó con los efectos de la luz sobre la superficie de las formas, tal como lo hacían los impresionistas en la pintura. Esculpió figuras en la sombra o emergiendo de un bloque inacabado. Si elogió el coraje hogareño de los sujetos en Burgueses de Calais o los amantes en El beso—Sus cabezas se ensombrecieron— Rodin sugirió los momentos naturales y no dispuestos de la vida.

ESCULTURA DEL SIGLO XX

El siglo XX fue una época de experimentación con nuevas ideas, nuevos estilos y nuevos materiales. Los estudios de la figura humana dieron paso a nuevos temas: sueños, ideas, emociones y estudios de forma y espacio. Se utilizó plástico, cromo y acero soldado, así como cajas, piezas de automóviles rotas y muebles viejos.

Los escultores del siglo XX tenían una gran deuda con Rodin. Su tremenda producción y variedad inspiraron a una nueva generación de escultores a expresar nuevos pensamientos en una forma de arte que había estado repitiendo viejas ideas durante 200 años. Aunque los sucesores de Rodin tendieron a alejarse tanto de su realismo como de sus temas literarios, sus innovaciones tuvieron una influencia importante. Aristide Maillol (1861-1944) rechazó las superficies rugosas de Rodin. Las suaves figuras de las obras de piedra y bronce de Maillol parecen descansar en sereno reposo.

Como los artistas del Renacimiento habían utilizado las obras redescubiertas de la Grecia y Roma clásicas como inspiración, los artistas del siglo XX buscaron las formas simples y poderosas del arte primitivo africano y oceánico. Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), el escultor alemán, comenzó bajo la influencia de Maillol. Más tarde, Lehmbruck distorsionó sus figuras haciéndolas anormalmente largas a la manera del arte primitivo. Los rostros de Mujeres, de Gaston Lachaise (1882-1935), sugieren la escultura de la antigua India. Los cuerpos redondos, sólidos y macizos parecen simbolizar la vitalidad de la feminidad.

Constantin Brancusi (1876-1957), un rumano que trabajó principalmente en París, combinó las tradiciones populares rumanas con la simplicidad de la talla de madera africana y la escultura oriental. Brancusi buscó la absoluta sencillez de forma y pureza de significado. Esta sencillez y pureza se encuentra en obras como Recién nacido y Pájaro en el espacio.

Pablo Picasso, uno de los más grandes escultores y quizás el mejor pintor del siglo XX, vio otra cualidad en el arte primitivo. En la simplicidad de las formas, vio que los objetos de la naturaleza no son necesariamente masas sólidas, sino que están formados por círculos, cuadrados, triángulos y cubos. Esto llevó a un estilo llamado cubismo, que fue desarrollado por Picasso y Georges Braque. De picasso Cabeza de mujer (1909) es una de las primeras esculturas cubistas. En él, Picasso dividió la superficie de una cabeza en muchos planos diferentes.

Junto a Picasso y Brancusi, Jacques Lipchitz (1891-1973) fue uno de los escultores más influyentes del siglo XX. Sus poderosas formas de bronce muestran su comprensión del cubismo y la fuerza simple del arte africano, así como todos los demás movimientos del arte del siglo XX.

Cuando comenzó la Primera Guerra Mundial, la atmósfera en Europa era ansiosa. Algunos artistas reflejaron las tensiones de los tiempos difíciles en una nueva forma de arte llamada dada: sin sentido, que no representa nada y se opone a todo otro arte. "Objetos encontrados" y artículos para el hogar, como los lavabos y perchas de Marcel Duchamp (1887-1968), se exhibieron como escultura. Al mismo tiempo, un grupo de artistas italianos llamados futuristas estaban entusiasmados con el ritmo de la era de las máquinas. Su escultura mostraba objetos en movimiento. Umberto Boccioni (1882-1916) fue un destacado futurista.

Después de la Primera Guerra Mundial, se desarrolló el movimiento llamado surrealismo. Muchos artistas que habían sido cubistas o dadaístas se volvieron surrealistas. Pertenece a este movimiento la obra de Jean Arp (1887-1966), con sus formas fantasiosas que parecen flotar en el espacio.

Durante las décadas de 1920 y 1930, los constructivistas construyeron en lugar de tallar o modelar sus esculturas. La belleza de la forma pura y el espacio los emocionó. Los hermanos rusos Naum Gabo (1890-1977) y Antoine Pevsner (1886-1962) utilizaron hojas de metal y plástico para lograr un efecto de ligereza y transparencia. Julio González (1876-1942) introdujo el uso del hierro forjado. La tremenda influencia de su técnica se ve particularmente en la obra de Picasso, un estudioso de González en la técnica de la soldadura.

A medida que se desarrolló la escultura moderna, se volvió cada vez más individualista, aunque todavía mostraba su deuda con el pasado. Las figuras alargadas y delgadas de Alberto Giacometti (1901-66) parecen vagar solas en un mundo sin fronteras. Alexander Calder (1898-1976) creó esculturas en movimiento llamadas móviles y estacionarias llamadas estables. Las construcciones de alambre y tiras metálicas realizadas por Richard Lippold (1915-2002) evocan una sensación de delicada ligereza. Las esculturas geométricas de acero de David Smith (1906-65) tienen un sentido de equilibrio y orden que agrada a la vista.

En las décadas de 1960 y 1970, se desarrollaron aún más estilos nuevos. Algunos artistas optaron por retratar temas del mundo cotidiano que los rodeaba: las cajas Brillo y las latas de sopa de Andy Warhol (1928-87), las cajas surrealistas de Joseph Cornell (1903-72), las hamburguesas de yeso y las & quotsoft typewriters & quot de Claes Oldenburg ( 1929-). Otros combinaron pintura, escultura y "objetos encontrados", como en la obra de Marisol Escobar (1930-). George Segal (1924-2000) usó moldes de yeso de figuras humanas en poses cotidianas. Louise Nevelson (1900-88) combinó pequeñas unidades de metal y madera (a menudo patas de mesas y sillas, postes de cama) en estructuras enormes que llamó `` entornos ''. Escultores como Barnett Newman (1905-70) y Tony Smith (1912-80) creó piezas masivas que a menudo se muestran al aire libre. Algunas esculturas no solo se mueven, sino que también son manejadas por computadora.

Una figura dominante en el mundo de la escultura, Henry Moore (1898-1986), utilizó materiales tradicionales (madera, bronce y piedra) para explorar problemas tradicionales de la escultura como la figura sentada y la figura reclinada. Creía que las formas espaciales creadas por una escultura son tan importantes para su diseño como las formas sólidas, y a menudo colocaba agujeros o aberturas en sus esculturas. Moore también contrastó la luz y la oscuridad al curvar sus figuras de bronce hacia adentro y hacia afuera.

La forma y el espacio, la realidad, la emoción y la belleza perfecta son los intereses de los artistas de todos los siglos. El siglo XX solo les dio una nueva forma.


Cabeza de un hombre sumerio de Tell Asmar - Historia

placas, piedra 212, 211𔃁

& # 160 & # 160 & # 160 disminuir (llanura del norte) 44

& # 160 & # 160 & # 160 derivado de edificios domésticos 108 & # 82119

& # 160 & # 160 & # 160 aumento (período Uruk) 16, 17

& # 160 & # 160 & # 160 y patrones de asentamiento 39

& # 160 & # 160 & # 160 cuencos con borde biselado 120, 164 & # 82115, 180

& # 160 & # 160 & # 160 cuencos, como ajuar funerario 138, 143

& # 160 & # 160 & # 160Jemdat Nasr artículos pintados 19, 92, 121, 166, 182

& # 160 & # 160 & # 160Ninevite V ware 121, 120𔂿

& # 160 & # 160 & # 160 escarlata & # 45lavado (ED I) 19, 20, 92, 184

& # 160 & # 160 & # 160 sólidos & # 45 copas con pies 143, 165, 166

& # 160 & # 160 & # 160especialista (para exportación) 164

& # 160 & # 160 & # 160 estampado (Tepe Gawra) 116, 117

& # 160 & # 160 & # 160transitional Ubaid & # 47Uruk ware, Tepe Gawra 116

   ver también cuencos de piedra

& # 160 & # 160 & # 160 mostrados en los sellos del cilindro 165

adornos de cerámica, como ajuar funerario 138

& # 160 & # 160 & # 160 entre religiosos y seculares 89 & # 821190, 216 & # 82118

pre & # 45 período Halaf, sellos 198

& # 160 & # 160 & # 160 responsabilidades administrativas 100

& # 160 & # 160 & # 160 relaciones con el poder secular 89

empresa privada 32, 159, 166, 191 & # 82112

& # 160 & # 160 & # 160 y patrimonio privado 32, 191, 218

casas particulares ver edificios domésticos

propiedad privada de la tierra 32, 57, 218

Lista de profesiones (finales de Uruk) 27, 32

proto & # 45Elamita lengua 180, 197

proxémica, estudio de los requisitos de espacio vital 108

& # 160 & # 160 & # 160 entierro en Ur 53, 147, 148, 149, 163, 163

edificios públicos 89 & # 8211106, 218

& # 160 & # 160 & # 160 Período dinástico temprano 96 & # 8211100, 105, 218

& # 160 & # 160 & # 160 actividades industriales dentro de 98, 102

& # 160 & # 160 & # 160 interpretación de las funciones 30 & # 82111, 89 & # 821190, 98, 105 & # 82116

& # 160 & # 160 & # 160 interpretados como templos 75, 117

   ver también edificios domésticos palacios templos

Purushkanda, Anatolia 33, 190

Quetta, Pakistán, minas de lapislázuli cerca de 181

datación por radiocarbono 16, 23 & # 82115

& # 160 & # 160 & # 160 llanura mesopotámica inferior 10

Ras al & # 45Amiya, Ubaid sitio 38

Ras Shamra, sello de sello 198

& # 160 & # 160 & # 160 para trabajadores agrícolas 57

& # 160 & # 160 & # 160 cuencos de borde biselado para 164

& # 160 & # 160 & # 160 para trabajadores industriales 159

   ver también industria metales piedra madera comercio

Razuk, edificio circular 183

reciclaje, de materiales utilizables 135, 170, 214

Reformas de Uruinimgina 89

Rich, Claudio, residente británico en Bagdad 1

& # 160 & # 160 & # 160 y control del suministro de agua 45

& # 160 & # 160 & # 160 y patrones de asentamiento 10

   ver también canales Eufrates Tigris Zab

& # 160 & # 160 & # 160 responsabilidades administrativas 100

& # 160 & # 160 & # 160 Ciudad dinástica temprana & # 45 estados 20, 28

   ver también poder del palacio de los reyes, equilibrio del templo de los sacerdotes

Sabi Abyad, Pueblo Quemado 198

Saddam Hussein, drenaje de marismas 11

saluki, perro de caza 58, 59

Tesoro Sammelfund, objetos metálicos 168

Sargón de Agade 17, 29, 33, 216, 221

& # 160 & # 160 & # 160 y evidencia para contactos comerciales 189 & # 821190

& # 160 & # 160 & # 160 formación centralizada 195, 197

& # 160 & # 160 & # 160escenas agrícolas 56, 200, 201

& # 160 & # 160 & # 160 escenas de banquete 150, 152, 202, 204

& # 160 & # 160 & # 160 de Beydar (estilo norteño) 125, 126

& # 160 & # 160 & # 160 escenas de combate 202, 202, 203, 204

& # 160 & # 160 & # 160 representación de la artesanía 162, 162, 165

& # 160 & # 160 & # 160 estilo Piamonte 183, 183, 201

   ver también sellos de cilindro

& # 160 & # 160 & # 160colectivo (Jemdat Nasr) 92

& # 160 & # 160 & # 160 Harappan (valle del Indo) 189, 189

   ver también sellos de cilindro sellos de sello

Lenguas semíticas 13, 26, 197

& # 160 & # 160 & # 160 Período dinástico temprano 41 mapa, 42 mapa, 44, 45

& # 160 & # 160 & # 160linear (en vías navegables) 10, 40, 45

& # 160 & # 160 & # 160Ur III período 43 mapa

& # 160 & # 160 & # 160 hinterlands agrícolas 52

& # 160 & # 160 & # 160 correlación de tamaño con importancia 39

& # 160 & # 160 & # 160 erosión después del abandono 46

& # 160 & # 160 & # 160 jerarquía (período Uruk) 16, 44

   ver también ciudades planes de la ciudad pueblos aldeas

shaduf, para riego 54

Shamshi & # 45 Adad, primer rey de Asiria 35

Shamshu & # 45 Iluna de Babilonia 113

Sharkallisharri, rey de Agade 103

Sharru, & # 8216king & # 8217 (acadio) 27, 29

Shatt & # 45el & # 45Arab waterway 9, 15

& # 160 & # 160 & # 160 incrustaciones en placas 212, 213

Shulgi, rey de Ur 35, 58, 83, 103

Sippar, campamentos nómadas cerca de 12

esqueletos, evidencia de 11, 148, 157

& # 160 & # 160 & # 160evidencia de entierros 32, 136, 138, 142

   ver también grupos de élite

fertilidad del suelo, zona sur 10

& # 160 & # 160 & # 160 de la producción de materiales 18, 158

deportes, lucha libre 152, 153

sellos de sello 198, 198𔃇, 215

& # 160 & # 160 & # 160 de unidades de medida 68

estatuaria y estatuas 175, 204 & # 82118, 215

& # 160 & # 160 & # 160cobre 21, 171, 172, 171𔃁

& # 160 & # 160 & # 160naturalismo 206, 207, 208

& # 160 & # 160 & # 160 figuras masculinas desnudas 187, 188, 204

& # 160 & # 160 & # 160royal (diorita negra) 21, 176, 189, 190, 207

& # 160 & # 160 & # 160 Warka head (máscara de mujer & # 8217s cabeza) 204, 205, 220

   ver también estelas de figurillas

esteatita & # 47clorito (piedra) 182

estelas 210, 209󈝷, 215

& # 160 & # 160 & # 160Eannatum de Lagash 209, 219

& # 160 & # 160 & # 160 Lion Hunt 178, 179, 209

& # 160 & # 160 & # 160 suministros (zona norte) 6, 68

   ver también estatuas y estatuas estelas cuencos de piedra objetos de piedra

& # 160 & # 160 & # 160 Estilo intercultural 184, 185

   ver también sellos estatuas y estatuas

& # 160 & # 160 & # 160 en edificios públicos 98, 102

& # 160 & # 160 & # 160 y escritura cuneiforme 195

Lengua sumeria 11, 12, 25

& # 160 & # 160 & # 160 ya no se habla 13, 26, 35

& # 160 & # 160 & # 160 escrito (cuneiforme) 196, 197

topografía (arqueológica) 5, 37 & # 82119, 41 mapa, 42 mapa, 43 mapa

Susa 165, 180, 181, 184

& # 160 & # 160 & # 160 estatuas de diorita negra 207

teoría de sistemas, en arqueología 221

& # 160 & # 160 & # 160 como evidencia de centros administrativos 99

& # 160 & # 160 & # 160 pictogramas el 19, 194, 194

   ver también escritura de textos

Tchoga Zambil, Irán, zigurat 88

tecnología, período Uruk 17, 215

Tell Abu Qasim, edificio circular 183

& # 160 & # 160 & # 160 Palacio norte (Agade) 101, 101𔃀, 162

& # 160 & # 160 & # 160 Palacio del Norte (antes) 100

& # 160 & # 160 & # 160 Palacio de los gobernantes (período Ur III) 104, 104𔃃

& # 160 & # 160 & # 160 Templo cuadrado 78, 83, 106, 206

& # 160 & # 160 & # 160medio Uruk sitio 16, 119, 120, 122

& # 160 & # 160 & # 160 Sellar impresiones 120, 202

& # 160 & # 160 & # 160 Kleine Antentempel 81, 124

Dile a edh Dhiba & # 8217i, antiguo sitio babilónico 174, 175

& # 160 & # 160 & # 160 edificio circular 93, 94, 94𔃃, 183

& # 160 & # 160 & # 160 jarrón de cerámica escarlata 20

Tell Maddhur, edificio circular 183

Tell Ouelli, período Ubaid 52

Dile a Taya 107, 130, 129󈞌

& # 160 & # 160 & # 160 plano de la casa (compuesto) 130, 131, 131

Dile a Uqair 40, 74, 75, 91

& # 160 & # 160 & # 160 estatua votiva 206, 206

& # 160 & # 160 & # 160 formado por la desintegración de adobe 66

& # 160 & # 160 & # 160 como centro de gobierno 216

& # 160 & # 160 & # 160poder de en la ciudad & # 45 estados 21, 27, 30

& # 160 & # 160 & # 160 en comparación con los edificios domésticos 77 & # 82119, 82

& # 160 & # 160 & # 160Jemdat Nasr (tercer milenio) 75 & # 82116

& # 160 & # 160 & # 160 varios santuarios 77, 79

& # 160 & # 160 & # 160 posición de altares 82, 104

   ver también palacios edificios públicos planes de templos

& # 160 & # 160 & # 160megaron edificios 82, 118, 117󈝾

& # 160 & # 160 & # 160 Casa redonda 92, 116, 117, 137𔃆

& # 160 & # 160 & # 160wolf & # 8217s cabeza (electrum) 139, 139, 167

Tepe Yahya, Irán 68, 180, 184, 185

& # 160 & # 160 & # 160evidencia de tumbas reales en Ur 148 & # 82119

& # 160 & # 160 & # 160 Muerte de Gilgamesh 135, 156

& # 160 & # 160 & # 160 descripciones del más allá 135

& # 160 & # 160 & # 160evidencia de palmeras datileras 53

& # 160 & # 160 & # 160evidencia de fabricación 158

& # 160 & # 160 & # 160 poemas sobre la destrucción de Ur 23

& # 160 & # 160 & # 160 referencia a las importaciones de cobre 181

Til Barsib, tumba de piedra 127, 154

fichas, arcilla, contabilidad 139, 193, 194

& # 160 & # 160 & # 160 mausoleo en Umm al & # 45Marra 128, 128, 154

& # 160 & # 160 & # 160 Shulgi & # 8217s mausoleo 83, 155, 156, 173

& # 160 & # 160 & # 160 superestructuras 141, 147, 155

& # 160 & # 160 & # 160 dentro de los edificios domésticos 110, 113, 135, 155

   ver también entierros cementerios ajuar funerario tumbas

   Kranzhugel 125, 123𔃄, 133

& # 160 & # 160 & # 160Ur (período Ur III) 61 & # 82112, 63, 65

   ver también materiales de construcción

& # 160 & # 160 & # 160 trimestres administrativos 61

& # 160 & # 160 & # 160 calles (pavimentadas con tiestos) 61, 64, 112

Teoría de Toynbee (& # 8216estímulo y respuesta & # 8217) 9

   ver también materias primas

rutas comerciales 8, 181 mapa

   ver también comunicaciones

colonias comerciales, Uruk 120, 178, 179

& # 160 & # 160 & # 160 por agua (para productos a granel) 14, 59, 179

turquesa, ajuar funerario 139

& # 160 & # 160 & # 160 placa de pared 81, 212, 213

& # 160 & # 160 & # 160 patrones de asentamiento 40, 48, 49, 50

& # 160 & # 160 & # 160 unidades de medida estándar 68

Umm al & # 45Aqarib, plano del templo 82

Umm al & # 45Marra, mausoleo de piedra 128, 128, 154

& # 160 & # 160 & # 160 rivalidad con Lagash 30, 45

Estados Unidos, arqueología temprana en Irak 3

& # 160 & # 160 & # 160 diseño de la ciudad 61 & # 82112, 63, 64, 65

& # 160 & # 160 & # 160 edificios domésticos 113, 113󈝺

& # 160 & # 160 & # 160 caída y destrucción de la ciudad 23, 35, 219

& # 160 & # 160 & # 160 Cementerio de Jemdat Nasr 141 & # 82112, 184, 186

& # 160 & # 160 & # 160 tumbas privadas (en casas) 155

& # 160 & # 160 & # 160 Cementerio Real 137, 146, 145󈞠, 153𔃅, 218

& # 160 & # 160 & # 160 & # 160 & # 160 la dama Puabi 53, 147, 148, 149, 163, 163


Tocho T8

Dirección: Jennifer Y. Chi & amp Pedro Azara, con Marc Marín
Coordinación: Jennifer Babcock
Conservadora: Angela Nacol
Montaje: Misha Leiner (CoDe), con Pedro Azara y Marc Marín
Filmaciones: Marcel Borràs
Música: Joan Borrell
Catálogo editado por la Princeton University Press, 2015


Fotos: Tocho, ISAW, Nueva York, 9 de febrero de 2015

Se puede consultar la página web de la exposición desde hoy


TEXTOS ORIGINALES DE LA EXPOSICIÓN

Nota: Los textos definitivos son más breves


Notas

  1. S. Bianco en Magie d’ambra 2005 Cita: Magie d & rsquoambra: Amuleti e gioielli della Basilicata antica. Exh. gato. Potenza, 2005., págs. 94–96, ill. pag. 99.↩
  2. Esto se teoriza sobre la base de un pequeño porcentaje de excavaciones o cuentas publicadas, el número de tumbas y depósitos inéditos con objetos de ámbar y la cantidad de ámbar prerromano en museos y colecciones fuera del país de origen (de hallazgos antiguos o no declarados y no controlados excavaciones) es lamentablemente muy alto. Las excepciones son críticas (como la Tumba 43 masculina en Melfi-Pisciolo) .↩

Las imágenes orientales griegas y etruscas de primates no humanos se denominan genéricamente "monos" en la literatura, aunque algunas pueden representar babuinos, especialmente el babuino hamadryas (Papio hamadryas), así como un mono de cola larga (Cercopithecus) y el mono verde, o vervet (Cercopithecus aethiops). Los prototipos de los colgantes de ámbar de Italia de los siglos VIII al VII (etruscos, latinos, faliscanos, picene) son de invención egipcia, pero también pueden haber derivado de ejemplos fenicios y podrían estar relacionados con el norte de Mesopotamia, el norte y el oeste de Siria. Tipos y simbolismos de los antiguos babilonios y de Anatolia. En Egipto, los amuletos en forma de monos y babuinos se conocen por primera vez en el Reino Antiguo, hechos de esteatita y faïence, luego de amatista y cornalina en el Reino Medio, y en una variedad más amplia de materiales desde el Imperio Nuevo en adelante. El mono verde suele ser objeto de amuletos simios egipcios y fenicios: sus rasgos humanos, el amor maternal de las hembras, su inteligencia y capacidad para imitar, y su color verdoso (símbolo de frescura y regeneración) explican su popularidad. Participa al lado del enano como emisario de Ra, el dios del sol, en invocaciones mágicas para un parto exitoso y, por lo tanto, tiene un aspecto solar (Andrews 1994 Cita: Andrews, C. Amuletos del Antiguo Egipto. Austin, TX, 1994., pág. 66). En los amuletos de maternidad de faïence egipcios de composición vidriada, donde se une con Bes, el mono verde asume el papel de enfermera para el recién nacido y está conectado con la música y la danza, asociados con el parto. Para el mono y la maternidad, ver también Bulté 1991 Citación: Bulté, J. Talismans égyptiens d & rsquoheureuse maternité: “Faïence” bleu vert à pois foncés. París, 1991., págs. 99-102. Las representaciones de monos en el Levante parecen tener varias connotaciones, tanto de origen egipcio como del Cercano Oriente, que incluyen veneración, erotismo, buena suerte y los mejores deseos. En escenas eróticas sobre terracotas de la antigua Babilonia, los bailarines simiescos suelen acompañar a los enanos. Como S. Schroer y J. Eggler, "Monkey", en Iconografía de deidades y demonios en el Antiguo Cercano Oriente, http://www.religionswissenschaft.uzh.ch/idd/prepublication.php (consultado el 12 de noviembre de 2009), p. 1, nota para el arte mesopotámico y elamita, “Al igual que en Egipto, existe una proximidad entre los monos y la Diosa Desnuda. Esto puede deberse a su naturaleza lúdica, pero también a su excitabilidad ... lo que lleva a su asociación con el sexo y el erotismo ".

Los amuletos de monos de ámbar y de composición vidriada pueden funcionar en varias formas directas e indirectas de magia: para asegurar el amor y la satisfacción sexual para proporcionar ayuda sexual en este mundo y el próximo, para ayudar en el renacimiento y el rejuvenecimiento, para ayudar en el cuidado de los recién nacidos. e inyectar humor (una potente técnica de aversión). Sobre el primate no humano en el arte egipcio en general, véase Andrews 1994 Citación: Andrews, C. Amuletos del Antiguo Egipto. Austin, TX, 1994., págs. 66–67 y A. Kozloff, ed., Animales en el arte antiguo de la colección Leo Mildenberg (Cleveland, 1981), págs. 67–69, núms. 54–56. Para conocer una amplia gama de opiniones sobre los "monos" en el arte etrusco, consulte Waarsenburg 1995 Cita: Waarsenburg, D. J. La necrópolis del noroeste de Satricum: un cementerio de la Edad del Hierro en Latium Vetus. Amsterdam, 1995., pág. 415-16, y esp. 445–50. Véase también Bonfante 2003 Citación: Bonfante, L. Vestido etrusco. Ed actualizado. Baltimore, 2003., págs. 138, 141 Negroni Catacchio 1999 Cita: Negroni Catacchio, N. “Alcune ambre figurate preromane di provenienza italiana in collezioni private di New York”. En Koina: Miscellanea di studi archeologici in onore di Piero Orlandini, editado por M. Castoldi, págs. 279–90. Milán, 1999., págs. 280–82 Waarsenburg 1996 Cita: Waarsenburg, D. J. "Astarte y representaciones de monos en el período orientalizante italiano: las esculturas de ámbar del Satricum". En Die Akten des Internationalen Kolloquiums “Interacciones en la Edad del Hierro: Fenicios, Griegos y Pueblos Indígenas del Mediterráneo Occidental” en Ámsterdam 26 y 27 de marzo de 1992, Hamburger Beiträge zur Archäologie 19–20 (Mainz, 1996), págs. 33–71. F.-W. von Hase, "Die golden Prunkfibel aus Vulci, Ponte Sodo", Jahrbuch des Römisches-Germanischen Zentralmuseums Mainz 31 (1984): 269–75 J. Szilágyi, Abreviatura: RA Revue archéologique 1972: fasc. 1: 111–26 y D. Rebuffat Emmanuel, "Singes de Maurétanie Tingitane et d’Italie — Réflexions sur une analogie iconographique", Abreviatura: StEtr Studi etruschi 35 (1967): 633–44. Para un etrusco-corintio aryballos en forma de "simio", véase B. A. Kathman en Kozloff 1981 Citación: Kozloff, A. P., ed. Animales en el arte antiguo de la colección Leo Mildenberg. Cleveland, 1981., págs. 95–96, núm. 95.

Para el mono en el mundo minoico, véase N. Marinatos, "An Offer of Saffron to the Minoan Goddess of Nature: The Role of the Monkey and the Importance of Saffron", en Regalos a los dioses: Actas del Simposio de Uppsala 1985, Boreas 15, ed. T. Linders y G. Nordquist (Uppsala, 1987), págs. 123-32, quien defiende convincentemente una función religiosa para los monos e interpreta para ellos varios roles minoicos: como adoradores, como intermediarios entre los humanos y la diosa de la naturaleza, como sus sirvientes, y como guardianes. Marinatos establece paralelismos con imágenes egipcias y anatolias de monos en cuclillas (nn. 10, 17) y sugiere la posible entrada de las imágenes en Creta en la Edad del Bronce Medio, pero también apunta a ejemplos mesopotámicos de la postura en cuclillas. Se proponen prototipos de Egipto y del Cercano Oriente, con referencia a R. D. Barnet, "Monkey Business", Revista de estudios del Cercano Oriente 5 (1973): 1-10 y C. Mendelson, "More Monkey Business", Estudios de Anatolia 33 (1983): 81–83. F.-W. von Hase 1984 (arriba) propone a los fenicios como intermediarios en la transición del motivo a Italia. Para obtener una visión sobre la posible permutación del tipo "mono" en imágenes humanas en la Grecia temprana, consulte S. Langdon, "From Monkey to Man: The Evolution of a Geometric Sculptural Type", Abreviatura: AJA Revista estadounidense de arqueología 94 (1990): 407–24.

Para agregar a esta discusión están los "humanos demacrados" parecidos a simios del período babilónico antiguo, las placas de arcilla de la diosa Nintu y las imágenes de estatuillas separadas en la misma forma. D. Parayre, "Les âges de la vie dans le répertoire figuratif oriental", KtèMA 22 (1997): 67, identifica las figuras como representativas de fetos prematuros o deformados. Mira sus higos. 10a (relieve estampado posiblemente de Tell Asmar, Louvre) y 10b (estatuilla de bronce, Museo de Arte de Cincinnati).Parayre sugiere que las imágenes del feto pueden ser transposiciones figurativas del šumma izbu serie, enumerando las precauciones a tomar en caso de nacimientos prematuros, inviables o monstruosos. Si los colgantes de ámbar representaran a tales fetos en lugar de monos o babuinos, serían extraordinarios "como destierros como" amuletos. Alternativamente, si los monos ámbar se identifican con la interpretación minoica del tipo (siguiendo a Marinatos), pueden estar asociados con las diosas de la naturaleza locales en Creta, como en Mesopotamia.

Waarsenburg 1995 Cita: Waarsenburg, D. J. La necrópolis del noroeste de Satricum: un cementerio de la Edad del Hierro en Latium Vetus. Amsterdam, 1995., págs. 410-11, nn. 1058-1064: el "pedernal" probablemente se originó en la cercana isla de Ponza y, por lo tanto, es uno de varios reutilizados secundariamente en la Edad del Hierro. Los "pedernales" de obsidiana se encuentran en el centro de Italia en tumbas que datan de los siglos IX al VII y en varios depósitos votivos latinos, incluso en Satricum. Una tumba de Terni arrojó un pedernal neolítico envuelto en un medallón de hoja de bronce en relieve con una representación de Bes. Waarsenburg sugiere que el "pedernal" de la Tumba VI habría sido conocido en la antigüedad como un ceraunio, o piedra del rayo. P. Tamburini en Antichità dall’Umbria a New York, exh. gato. (Perugia, 1991), pág. 276, analiza tales piedras relámpago y cita a A. Cherici, "Keraunia", abreviatura: ArchCl Arqueología clásica 41 (1989): 372, n. 37. Tamburini señala la antigua creencia "en el origen celestial de los picapiedra prehistóricos encontrados por casualidad en el suelo ... [y] su relación con el rayo" y "a su simple función apotropaica". Aún en la Italia de principios del siglo XX, los pedernales neolíticos se registran como importantes amuletos para proteger contra los rayos y para proteger a las personas, los animales, las casas y la tierra contra los desastres naturales, como lo muestra G. Bellucci (en el n. 150, arriba). En Etruria, tanto Menerva como Tinia podían lanzar rayos y, como tales, pueden haber tenido facultades oraculares, como sugiere G. Camporeale, “La manubia di Menerva”, en Agathos daimōn: Mythes et cultes Études d’iconographie en l’honneur de Lilly Kahil (Atenas, 2000), págs. 77–86. Waarsenburg 1995 Cita: Waarsenburg, D. J. La necrópolis del noroeste de Satricum: un cementerio de la Edad del Hierro en Latium Vetus. Amsterdam, 1995., pág. 411, señala que “parece haber existido también una relación funcional y semántica entre Eileithuia, el rayo y el Elysium ... Una entrada en [el Suda] Establece que Eilusion—Normalmente el mundo de la otra vida— también se usó para denotar un lugar alcanzado por un rayo ”. ¿Era el pedernal un amuleto especial de protección contra los rayos?

Un ámbar tallado en Nueva York probablemente representa un rayo (una unión perfecta de tema y material). Metropolitan Museum of Art 1992.11.22, Purchase, Renée E. y Robert A. Belfer Philanthropic Fund, Patti Cadby Birch y la Joseph Rosen Foundation Inc., y Harris Brisbane Dick Fund, 1992: Informe anual del Museo Metropolitano (1991-1992), pág. 37 C. A. Picón, “Ámbar tallado”, Adquisiciones recientes: una selección, 1991–1992: The Metropolitan Museum of Art Bulletin 50, no. 2 (otoño de 1992): 10 Arte del mundo clásico 2007 Cita: Picón, C. A., et al. Arte del mundo clásico en el Museo Metropolitano de Arte. Nueva York, 2007., págs. 295, 473, no. 339.

El colgante de pulsera que lleva la figura masculina en el sarcófago de piedra etrusco de una pareja de Vulci, ahora en Boston (Museo de Bellas Artes 86.145), parece ser un diente de tiburón o un "pedernal". ↩


Cuaderno del artista

Hay que recordar que las obras de arte de los antiguos egipcios no fueron creadas para ser vistas por personas en este mundo. Gran parte de las obras de arte que estaban en las tumbas y las pirámides estaban allí para simbolizar la riqueza y el poder de quien había descansado allí y llevarían esto a la otra vida junto con todo lo demás con lo que fueron enterrados. Las obras de arte, ya sean estatuas o relieves, estaban allí para beneficiar a un ser divino, como Tutankamón, o al destinatario fallecido.

Técnicamente, hay doce períodos diferentes del arte egipcio antiguo. Éstos incluyen
Prehistórico (antes del 3000 a. C. + - 100 a. C.)
Dinástico temprano (c. 3000 a. C. - 2680 a. C.)
Reino Antiguo (2680 a. C. - 2259 a. C.)
Reino Medio (2258 a. C. - 1786 a. C.)
Nuevo Reino (1786 a. C. - 1069 a. C.), incluido el Período de Amarna (1085 a. C. - 1055 a. C.)
Tercer período intermedio (1069 a. C. - 664 a. C.)
Primer período persa, período tardío y segundo período persa (664 a. C. - 332 a. C.)
Reino tolemático (332 a. C. - 30 a. C.)
Egipto romano (30 a. C. - siglo IV d. C.)

Hay muchas características del arte egipcio antiguo que se extienden a lo largo de todos los períodos de tiempo de los egipcios. Esto incluye la escala jerárquica de retratar. Esto significa que el tamaño de las personas dibujadas o pintadas determinaba su importancia en el orden social. Por ejemplo, un faraón como Tutankamón suele ser la figura más grande representada para simbolizar los poderes del gobernante. Los egipcios a menudo creían que estos eran poderes sobrehumanos porque fueron nombrados Gobernantes. Por lo tanto, las cifras de altos funcionarios o propietarios de tumbas suelen ser más pequeñas. El más pequeño que se te puede dibujar si fueras un sirviente, un animador, un animal, un árbol y también detalles arquitectónicos.

Los egipcios son comúnmente conocidos por sus esculturas y arquitectura. Las pirámides, la esfinge y el valle de los reyes entran en esta categoría.

La técnica que utilizaron los egipcios se llama relieve hundido, que se adapta bien a la luz solar muy brillante, como la de Egipto. Aquí es donde se crea la imagen cortando la escultura en relieve en una superficie plana. En una forma más simple, las imágenes suelen ser en su mayoría de naturaleza lineal, como en los jeroglíficos, pero en la mayoría de los casos la figura en sí está en bajo relieve, pero colocada dentro de un área hundida en forma alrededor de la imagen, de modo que el relieve nunca se eleva más allá del plano original. superficie. Debido a que hay una gran cantidad de luz solar brillante en Egipto, los antiguos egipcios usaron esto para su ventaja, ya que la luz solar intensa se usa para enfatizar los contornos y las formas mediante la sombra, ya que no se intentó suavizar el borde del área hundida, dejando un cara en ángulo recto con la superficie que lo rodea.
Las figuras principales en los relieves se adhieren a la misma convención de figuras que en la pintura, con las piernas separadas (donde no están sentadas) y la cabeza hacia un lado, pero el torso desde el frente, y un conjunto estándar de proporciones que componen la figura, utilizando 18 "puños" para ir desde el suelo hasta la línea del cabello en la frente. Algunas convenciones hacen que las estatuas de hombres sean más oscuras que las de mujeres. Esto indica muy rápidamente qué estatua es de qué género. Esto también haría que la atención se sintiera atraída por las figuras masculinas.

Los faraones siempre fueron considerados dioses. La escultura más grande sobrevive de los templos y tumbas egipcias. Se construyeron enormes estatuas para representar a los dioses y faraones y sus reinas, generalmente para áreas abiertas dentro o fuera de los templos. Esto permitió al pueblo de Egipto ver el poder y la importancia que tenían los dioses y los faraones. Sin embargo, la Gran Esfinge de Giza nunca se repitió y es una estatua en un millón, pero avenidas bordeadas de estatuas muy grandes, incluidas esfinges y otros animales, formaron parte de muchos complejos de templos.

La imagen de culto más sagrada de un dios en un templo, que generalmente se lleva a cabo en Naos (un pequeño santuario), tenía la forma de un bote o barca relativamente pequeño que sostenía una imagen de un dios, y aparentemente generalmente en metal precioso; ninguno lo ha hecho. sobrevivió gracias a los ladrones de tumbas que saquearon muchas tumbas de faraones y templos dedicados a los dioses y los faraones.

Había condiciones muy estrictas que debían seguirse al elaborar estatuas y reglas específicas que gobernaban la apariencia de cada dios egipcio. Por ejemplo, Horus (el Dios del cielo) debía representarse esencialmente con la cabeza de un halcón, Anubis (el Dios de los ritos funerarios) debía mostrarse siempre con la cabeza de un chacal. Las obras artísticas se clasificaron de acuerdo con su cumplimiento de estas condiciones o convenciones, y las convenciones se siguieron tan estrictamente que, durante tres mil años, la apariencia de las estatuas cambió muy poco. Es por eso que el Antiguo Egipto y su arte parecen haber cambiado muy poco durante el período de los Antiguos Egipcios. Las convenciones estaban destinadas a transmitir la calidad atemporal y no envejecida del ka de la figura.

La pintura no era demasiado grande en el Antiguo Egipto. Las obras de menor prestigio se encontraban en tumbas, templos y palacios y estaban pintadas solo sobre una superficie plana. Las superficies de piedra se prepararon con cal, sin embargo, si eran un poco ásperas, se aplicó una capa de barro grueso con una capa de yeso liso por encima. Algunas calizas más finas pueden absorber la pintura directamente. Los pigmentos que usaban los egipcios eran en su mayoría minerales y elegidos para resistir la fuerte luz solar que experimentaban sin que se desvaneciera. El medio de encuadernación que utilizaron en la pintura todavía no nos queda claro hoy. Se ha probado el temple de huevo y varias gomas y resinas, sin embargo, ninguna sale de la misma manera. Está claro que no se utilizó un verdadero fresco pintado en una fina capa de yeso húmedo. Creemos que la pintura se aplicó sobre yeso seco, en lo que se llama "fresco a secco" en italiano. Después de pintar, los egipcios habrían aplicado una capa protectora de barniz o resina. Debido a esta técnica que creemos que usaron los egipcios, muchas pinturas con cierta exposición a los elementos han sobrevivido notablemente bien, aunque las que están en paredes completamente expuestas rara vez lo han hecho.

Muchas pinturas egipcias antiguas han sobrevivido debido al clima extremadamente seco que experimenta Egipto. Las pinturas se hicieron a menudo con la intención de crear una vida más placentera para el difunto. Los temas que se pintaron incluyeron viajes a través del más allá o deidades protectoras que presentaban al difunto a los dioses del inframundo, como Osiris. Algunas pinturas de tumbas encontradas muestran actividades en las que participaron los fallecidos cuando estaban vivos y que desean continuar por la eternidad.

En el Reino Nuevo y más tarde, el Libro de los Muertos fue enterrado con la persona sepultada y se consideró una introducción importante al más allá.

Aunque la pintura no era grande en el Antiguo Egipto, era consistente, como lo eran las estatuas. Están pintados de tal manera que muestran una vista de perfil y una vista lateral del animal o la persona. Por ejemplo, la cabeza puede estar en una vista de perfil pero el cuerpo es una vista frontal. Los colores principales fueron rojo, azul, verde, dorado, negro y amarillo.


Monoteísmo: de los templos de China a las arenas de Egipto

En su libro de Eclesiastés , el rey Salomón de Israel revela un profundo conocimiento de la vida y del corazón del hombre. Se da cuenta de que todos estamos en esta tierra por un corto período de tiempo y señala el cambio de tiempos para cada persona. Sin embargo, una de sus observaciones más astutas es que el Creador ha puesto en el corazón de cada persona una idea de lo divino. De esto escribe Salomón, & # 8220Él (Dios) también ha puesto la eternidad en los corazones de los hombres & # 8221 (Eclesiastés 3:11). Ese rey sabio sabía que en algún lugar de lo más profundo del corazón de cada hombre estaba consciente de que había algo más grande que esta vida, más allá de esta vida, Salomón sabía que la esencia misma del ser humano clamaba por conocer al Creador. Este anhelo se captura mejor en la palabra alemana Sehnsucht . Esa palabra describe un anhelo tan profundo que no tiene traducción al inglés. Debido a la Sehnsucht del hombre y sus historias heredadas del Edén perdido, muchas culturas en su infancia de desarrollo formaron ideas elementales de monoteísmo, la creencia y la adoración de un solo dios. El sistema educativo moderno intenta enseñar a los estudiantes que el impulso religioso del hombre comenzó con el animismo y el politeísmo. Esta idea, sin embargo, está muy lejos de ser un hecho. La Biblia y la investigación moderna muestran que el impulso religioso del hombre primitivo comenzó con un tipo de monoteísmo sin refinar y de las cenizas de este monoteísmo primitivo surgieron las creencias hebrea y cristiana. Sin embargo, para comprender mejor esta idea, es necesario comprender el punto de vista secular.

El 20 de marzo de 1852, Herbert Spencer publicó su idea pionera sobre la evolución de la religión. Apareciendo primero en & # 8220The Leader, & # 8221 Spencer & # 8217s Development Hypothesis, que ha sido una de las principales ideas sobre la evolución religiosa entre las culturas primitivas, postula que el sistema religioso inicial de la humanidad era una especie de politeísmo crudo que se centró en los antepasados. . Después de muchos siglos de este estilo de adoración, los antepasados ​​comenzaron a adquirir atributos divinos. Entonces, de tener una multiplicidad de ancestros venerados, el hombre antiguo ganó gradualmente un panteón de dioses. El politeísmo se mantendría firme durante muchos años hasta que los hombres evolucionaran más. El resultado de esta evolución continua es el advenimiento del monoteísmo, que el hombre primitivo habría sido demasiado simple de entender, afirmarían muchos defensores de la evolución. Además de la idea de Spencer, hay otro camino de evolución religiosa que aboga por la teoría del desarrollo. Dicen que la mayoría de las culturas primitivas fueron de origen animista. Las ideas animistas darían lugar a creencias en los espíritus, que a su vez se convertirían en la creencia en muchas y variadas deidades. Luego, a partir de un politeísmo bien desarrollado, podría crecer el monoteísmo. Esta teoría se ha vuelto muy generalizada y es aceptada por muchos en los campos de la antropología, la sociología y la teología. Incluso el erudito judío del siglo XI d.C., el rabino Rashi, creía que el monoteísmo no comenzó hasta la revelación de Dios a Abraham en Génesis 12. Es muy aceptado porque encaja muy clara y cómodamente con la cosmovisión evolutiva, pero es bíblicamente inconsistente. Incluso algunos hallazgos de la investigación moderna muestran que la Hipótesis del Desarrollo es incorrecta. ¿Qué enseña la Biblia sobre este tema?

Desde el punto de vista de la erudición bíblica, el monoteísmo primitivo era la forma original de adoración en la mayoría de las culturas. Desde el principio, Adán y Eva conocieron a Dios (Génesis 2). Aunque fueron afectados por la Caída, los padres primigenios transmitieron el conocimiento de Dios. Este conocimiento se lo dieron a Set, su tercer hijo, y él se lo transmitió a su hijo Enós. Fue su generación la que comenzó a invocar el nombre de Yahweh (Génesis 4:26). La Biblia hebrea usa la palabra Yahweh en este pasaje. Eso es significativo porque Yahweh fue el nombre que Dios reveló a los judíos y cristianos. La generación de Enós buscaba al mismo Dios que los judíos y cristianos. Así, la adoración de Dios pasó de Enós a Noé, de cuyos hijos procedía el resto del mundo. Llevaban consigo las historias sobre la creación, la caída y el diluvio. La persona de Dios había sido muy real para sus ancestros no tan lejanos.

Entonces surgió la generación que construyó la Torre de Babel. Todavía tenían las tradiciones y las historias del Génesis, sin embargo, fueron alejados intencionalmente de Dios. El hombre conocido como Nimrod animó a los hombres a abandonar a Dios y construir esa infame Torre en Babel. De esto, el historiador judío Josefo en su libro Las antigüedades de los judíos escribe, & # 8220 Ahora la multitud estaba muy dispuesta a seguir la determinación de Nimrod, y considerar que era una cobardía someterse a Dios y construyeron una torre, sin escatimar dolores, ni siendo en ningún grado negligentes con el trabajo: y, debido a la multitud de manos empleadas en él, creció muy alto, antes de lo que cualquiera podría esperar & # 8221. Los humanos, en su arrogancia, estaban tratando de construir una torre tan alta que llegara hasta Dios. En acadio Babel significa puerta de entrada a un dios. Sin embargo, Yahweh golpeó las lenguas de esa generación rebelde y confundió su habla. En hebreo esa misma palabra balel , significa confusión. La rebelión del hombre contra Dios causó confusión. Esta idea se mantendría firme a medida que las generaciones posteriores se extendieran y se olvidaran de Dios en su adoración de muchos dioses, se confundieron.

Así que cuando los hombres se dispersaron desde Babel en las llanuras de Sinar, se llevaron consigo las historias del Génesis y la adoración del Dios, quien acababa de reafirmarse ante sus ojos mediante el juicio. A medida que se formaban diferentes sociedades, algunas eran más agrarias o nómadas o asentadas como los sumerios o los egipcios. Según Wilhelm Schmidt y Don Richardson, dos de los principales defensores de la teoría del monoteísmo primitivo, las culturas más primitivas, agrarias o nómadas de la tierra tienen un concepto más claro de un dios creador supremo y benévolo.

A lo largo de la historia ha habido muchos ejemplos de civilizaciones que han comenzado con algún tipo de monoteísmo simple. En su libro, Eternidad en sus corazones Don Richardson escribe esto sobre sociedades con un simple monoteísmo, & # 8220 ¡Probablemente el 90 por ciento o más de las religiones populares en este planeta contienen un claro reconocimiento de la existencia de un Dios Supremo & # 8221 (citado en Morris)! Por ejemplo, la tribu india Blackfoot creía que Nah-too-si, que significa Santidad, creó todo lo que contiene el universo y la tierra misma. El es el dios supremo. Todo lo que está abajo son espíritus. En la tribu Cherokee también existe un simple monoteísmo. La religión de esta tribu se centra en El Gran Espíritu, o Yowa. Lingüísticamente, Yowa es muy similar al nombre hebreo Yahweh. Como Yahweh, Yowa se considera omnipresente. Otra similitud sorprendente es que Yowa ama mucho la tierra. Incluso es trascendente como Yahvé. El único punto importante de diferencia es que Yowa se considera parte de la creación. Como los Cherokees, la tribu Karen de Birmania adoraba a un Dios Supremo. Lo llamaron Y & # 8217wa, que también es sorprendentemente cercano a Yahweh. En su libro antes mencionado, Richardson cita este himno de Karen:

El omnipotente es Y'wa, ¿no hemos creído?
Y'wa creó a los hombres en la antigüedad
¡Tiene un conocimiento perfecto de todas las cosas!
Y'wa creó a los hombres al principio
¡Él sabe todas las cosas hasta el presente!
¡Oh mis hijos y nietos!
La tierra es el lugar donde pisan los pies de Y'wa.
Y el cielo es el lugar donde se sienta.
Él ve todas las cosas y nosotros le somos manifiestos ".

Este himno es muy similar a un pasaje de Isaías 66: 1, "El cielo es mi trono, y la tierra el estrado de mis pies. ¿Dónde está la casa que me construirás? ¿Dónde estará mi lugar de descanso? ​​& # 8221 De hecho, estos las tribus más pequeñas no eran las naciones más poderosas o tecnológicamente avanzadas, pero poseían una fe que llegaba más cerca del cielo que cualquier sistema politeísta.

Además de los ejemplos tribales, hay muchas sociedades avanzadas que en un período de su existencia se adhirieron a un simple monoteísmo. En el volumen de septiembre de 1991 de & # 8220Creation, & # 8221, el Dr. Henry Morris escribe sobre el simple monoteísmo que invadió la antigua China durante muchos siglos. & # 8220 Durante mucho tiempo & # 8221 escribe, & # 8220 el pueblo chino adoraba a un solo Dios, Shang Ti (también llamado Shang Di), el Señor del Cielo, conservando una clara tradición del Gran Diluvio y su migración desde el región de Babel.Sin embargo, finalmente este sistema fue reemplazado por la religión humanista de Confucio, aún más tarde por las religiones ocultas del taoísmo y el budismo, y finalmente por la religión atea del comunismo & # 8221 (& # 8220Misiones & # 8221). Cuando se yuxtapone a la religión hebrea y Dios, el monoteísmo chino está muy avanzado para su época. Primero, los chinos tenían un sistema consistente de sacrificio a Shang Di. Entre 2256 a. C. y 2205 a. C. Shu Jing , un libro muy antiguo de historia china, registra que el emperador Shun sacrificó un toro a Shang Di. Esto se conocía como el sacrificio fronterizo. Con el tiempo, se convirtió en un rito anual que debía realizar el emperador. Entonces, en el Templo del Cielo se sacrificaba anualmente un toro a Shang Di. El sacrificio de la frontera china se hace eco de la ofrenda por el pecado hebrea establecida por Dios en Levítico 9: 2, que dice: & # 8220 Toma un becerro para tu ofrenda por el pecado y un carnero para tu holocausto, ambos sin defecto, y preséntalos delante del SEÑOR. . & # 8221 Además de esto, Shang Di tenía muchos aspectos en común con Yahweh. Ambos fueron considerados amorosos y ambos fueron vistos como los Creadores. El gran filósofo chino Motze dice esto de Shang Di como Creador, & # 8220 sé que el cielo ama profundamente a los hombres, no sin razón. El cielo ordenó al sol, la luna y las estrellas que los iluminaran y los guiaran. El cielo ordenó las cuatro estaciones, primavera, otoño, invierno y verano, para regularlas. El cielo envió nieve, escarcha, lluvia y rocío para cultivar los cinco granos, el lino y la seda para que la gente pudiera usarlos y disfrutarlos. El cielo estableció las colinas y los ríos, los barrancos y los valles, y dispuso muchas cosas para ministrar al hombre & # 8217s bueno o traerle mal & # 8221 (citado en Nelson). Hasta 1911 se ejecutó el sacrificio anual a Shang Di, pero después de ese año fue depuesto el último emperador. China entró entonces en un oscuro período de ateísmo.

Egipto es otro ejemplo de una sociedad muy avanzada que poseyó una religión monoteísta simple en un momento. El dios Amun-Ra era el jefe de todas las deidades egipcias. Él fue en quien habitó anteriormente el monoteísmo egipcio. Como Yahweh, Amun-Ra no tuvo padres. Durante el período del Imperio Nuevo, se creía que Amun-Ra trascendía este mundo, como Yahweh. El culto de Amun-Ra & # 8217 se desarrolló tanto que, como Brahman en la India, las deidades menores se convirtieron en meras manifestaciones de esta deidad suprema. En apoyo de las cualidades de Yahvé de Amun-Ra & # 8217, el egiptólogo Sir William Budge cita este pasaje del Libro de los Muertos, "Un himno a Amen-Ra. Presidente de todos los dioses. Señor de los cielos. Señor de la verdad. hacedor de hombres creador de bestias. Ra, cuya palabra es la verdad, el gobernador del mundo, el valiente y valiente, los jefes que hicieron el mundo como él mismo se hizo & # 8221 & # 8230 & # 8221 Él escucha la oración del oprimido , es bondadoso con el que lo invoca, libera al hombre tímido del opresor. Él es el Señor del conocimiento, y la sabiduría es la expresión de su boca & # 8221 (citado en Merrill). En muchos aspectos de su religión, los egipcios estaban cerca, pero simplemente no lo entendían del todo.

La civilización sumeria, como Egipto, fue la civilización más antigua de la tierra y también poseyó un monoteísmo simple en algún momento. Si uno recuerda que la Torre de Babel fue construida en suelo sumerio, tiene sentido que esta cultura fuera monoteísta durante un tiempo. La excavación de 1930-1936 de Tell Asmar (Eshnunna) refuerza enormemente la reivindicación del monoteísmo sumerio. Este sitio reveló que en un entorno social se encontraron objetos religiosos. Fueron encontrados en un templo y en las casas de los adoradores del templo. En las religiones sumerias, los sellos cilíndricos normalmente se dedican a un dios determinado. Sin embargo, los que se encuentran en esta área, según el arqueólogo Dr. Henry Frankfort, & # 8220, pueden encajar en una imagen consistente en la que un solo dios adorado en este templo forma la figura central. Parece que en este período temprano sus diversos aspectos no se consideraban deidades separadas en el panteón sumerio-acadiano "(citado en Merrill). Junto con Sumer, la India poseía hace años un simple monoteísmo. El erudito alemán Max Muller en Conferencias sobre la ciencia del lenguaje afirma que "hay un monoteísmo que precede al politeísmo del Veda y hasta en la invocación de los innumerables dioses el recuerdo de un Dios, uno e infinito, rompe la niebla de la fraseología idólatra como el cielo azul que se oculta por las nubes pasajeras y # 8221 (citado en Merrill). La religión hindú del hinduismo una vez enseñó que hay un dios llamado Brahman. Todos los dioses menores eran meras manifestaciones de él.

Como se muestra en los párrafos anteriores, muchas sociedades antiguas solían conocer y adorar al único Dios verdadero. En Deuteronomio 6: 4 Dios hace esta proclamación a los hijos de Israel: & # 8220 Oye, Israel: El SEÑOR es nuestro Dios, el SEÑOR solo. & # 8221 Durante muchos siglos, civilizaciones como China, Sumer y los Cherokees se aferraron a la esencia de esa declaración, sin embargo, en sus estados pecaminosos, cambiaron al Dios perfecto por deidades menores. En Romanos 1: 18-23, Pablo escribe sobre esta tendencia y cómo llega a ser. Él escribe: & # 8220 La ira de Dios se revela desde el cielo contra toda la impiedad y la maldad de los hombres que suprimen la verdad con su maldad, ya que lo que se puede saber acerca de Dios les es claro, porque Dios se lo ha dicho claramente. . Porque desde la creación del mundo las cualidades invisibles de Dios & # 8212 su poder eterno y su naturaleza divina & # 8212 se han visto claramente, entendiéndose por lo que ha sido hecho, de modo que los hombres no tienen excusa. Porque aunque conocían a Dios, ni lo glorificaron como Dios ni le dieron gracias, sino que sus pensamientos se volvieron inútiles y sus corazones necios se oscurecieron. Aunque decían ser sabios, se volvieron tontos e intercambiaron la gloria del Dios inmortal por imágenes hechas para parecerse a hombres mortales, aves, animales y reptiles. & # 8221 La tendencia de entregar la adoración a Dios por los ídolos sucedió de varias maneras. La primera forma en que pudo haber sucedido es que con el tiempo, aspectos del Dios Supremo fueron investidos en una multitud de deidades menores. Para muchas civilizaciones, como India o Grecia, este proceso está capturado en sus mitologías. Max Muller explica bien este proceso cuando escribe: "La mitología, que era la perdición del mundo antiguo, es en verdad una enfermedad del lenguaje. Un mito significa una palabra, pero una palabra que, de ser un nombre o un atributo, ha Se les ha permitido asumir una existencia más sustancial. La mayoría de los dioses griegos, romanos, indios y otros dioses paganos no son más que nombres poéticos que gradualmente se les permitió asumir una personalidad divina nunca contemplada por sus inventores originales & # 8221 (citado Merrill). la palabra griega hekatos era solo otra palabra para la luna, pero después de que pasó el tiempo se convirtió en la diosa Hécate. A veces, cuando estos aspectos se estaban transfiriendo, no se transfirieron por completo. En la India, se cree que existe un dios supremo, Brahman, pero creen que se manifiesta en deidades menores. Según un segundo principio, otra forma en que las culturas caen en el paganismo es simplemente a través de interacciones simples con otras culturas. Las interacciones culturales produjeron panteones más grandes. Según Sir Flinders Petrie, que es un egiptólogo, & # 8220 cada ciudad parece haber tenido un solo dios perteneciente a ella, al que se agregaron otros con el tiempo. De manera similar, cada una de las ciudades babilónicas tenía su dios supremo, y las combinaciones de estos y sus transformaciones para formarlos en grupos cuando sus hogares estaban unidos políticamente, muestran cuán esencialmente eran deidades solitarias al principio & # 8221 (citado en Merrill). Si alguno de estos dos principios no fuera el caso de una sociedad, hay un tercer principio: la historia, especialmente de los eventos de Génesis 1-11, se convirtió en mitología, confundiendo quién era el hombre y quién era Dios. El ejemplo más destacado de este principio es Grecia. En su artículo de diciembre de 2003 en & # 8220Respuestas & # 8221, Robert Bowie Johnson, Jr.dice, & # 8220 yo sostengo que el mito es esencialmente historia, y que muchos mitos antiguos y obras de arte cuentan la misma historia que el libro del Génesis & # 8221 (& # 8220Athena y Eva & # 8221). En otros casos se aplica un cuarto principio: el simple monoteísmo es superado por religiones más nuevas y más poderosas. China es el ejemplo perfecto de esto. Durante siglos adoraron a Shang Di hasta la llegada del confucianismo y el budismo. Al igual que en China, estos principios encuentran aplicación en muchas culturas en todo el mundo.

El primer principio encuentra aplicación en Egipto. Budge postula que algunas características del dios creador se transformaron en dioses menores. En un mito de la creación egipcio, el creador Amón creó a todos los demás dioses al principio de los tiempos. Mientras que el judaísmo enseña que solo Dios es suficiente para sostener la creación, la mitología egipcia enseñó que Amón hizo dioses más pequeños para supervisar la funcionalidad continua de las creaciones. Por lo tanto, Amun puede haber sido visto inicialmente como el Creador suficiente, sus funciones para gobernar la creación recayeron en dioses y diosas menores. Otro ejemplo del primer principio es la India. Los indios adoraron inmediatamente a Brahman como el dios supremo, pero más tarde se dividió en deidades menores, como Brahma, Vishnu y Shiva. Incluso existe una aparente conexión lingüística entre Brahma, el creador y Brahman. Luego, en el segundo principio, Sumer sería un buen ejemplo. Las ciudades sumerias eran ciudades-estado independientes. Cada ciudad-estado tenía una deidad patrona, que refleja la memoria primigenia del Dios Único. Las uniones políticas de ciudades-estado dieron como resultado la inclusión de muchos dioses locales en un panteón más grande.

Grecia es, con mucho, el mejor ejemplo del tercer principio. Originalmente tenían un concepto de Dios que se convirtió en Zeus. En una simple etimología del nombre & # 8220Zeus & # 8221 se puede ver su antigua conexión con Dios. Su nombre es muy similar a la palabra Theos o Deos (que significa dios). Esa palabra proviene originalmente de la palabra protoindoeuropea Dyeus ph 2 tēr, que significa & # 8220Sky Father & # 8221. En el antiguo idioma indoeuropeo, las palabras cielo, cielo y dios están todas bajo la misma palabra, dyeu. Por lo tanto, Zeus es el dios de los cielos (o cielo). Deuteronomio 26:15 se refiere a los cielos como la morada de Dios. Como Zeus gobierna los cielos, Dios también. Sin embargo, al mismo tiempo, Dios es más grande que los cielos. Esto se puede ver en el pasaje del Antiguo Testamento de 1 Reyes 8:27, que dice, & # 8220Los cielos, incluso el cielo más alto, no pueden contenerlo. & # 8221 Zeus está limitado al cielo. Además de esto, en su Himno a Zeus , dice el poeta griego Cleantes, & # 8220Somos su descendencia & # 8221 (nota al pie de la Biblia NVI). En Hechos 17:29, Pablo aplica esta misma frase a Dios. Similar a la corrupción de Dios que se convirtió en Zeus, muchas de las historias mitológicas tenían sus raíces en historias del Génesis. Por muchas semejanzas que haya entre Dios y Zeus, este último dios carece de un aspecto crítico de Yahvé: la soberanía. Aunque Zeus es el rey de los dioses, su poder no es ilimitado. Está obligado por el decreto de los destinos. Ni siquiera puede controlar completamente la tierra porque pertenece a su madre, la deidad primordial Gaia. El verdadero Dios de los judíos, sin embargo, controla el cielo y la tierra. No hay nadie que tenga reclamos que compitan con Yahweh. Le pertenece por derecho de creación. Zeus ni siquiera creó la tierra. Él es verdaderamente soberano. De hecho, en la persona de Zeus, los griegos recordaron algo de quién es Dios, pero también se confundieron sobre su identidad y perdieron algunos aspectos de su carácter. Parte de la identidad de Zeus fue influenciada por otra figura bíblica: Adán.

Además de tener una versión corrupta de Dios, los mitos griegos fueron influenciados por las historias del Génesis. Aunque Zeus se basó originalmente en Dios, su corrupción gradual se aceleró cuando se le unieron aspectos de la figura bíblica de Adán. Junto con su consorte Hera, estas dos divinidades fueron influenciadas por la primera pareja, Adán y Eva. Las dos deidades compartieron dos conexiones críticas. Primero, Zeus y Hera también eran marido y mujer. De manera similar, Adán y Eva se unieron en matrimonio. En segundo lugar, Zeus y Hera eran hermanos. Esa es solo una versión sesgada de la relación de Adán y Eva más allá del matrimonio. Eva fue creada a partir de la costilla de Adán, que Dios había quitado para ese propósito. Cuando Adán vio por primera vez a su hermosa y nueva ayudante, declaró: & # 8220 Esto es ahora hueso de mis huesos y carne de mi carne, se llamará & # 8216 mujer, & # 8217 porque fue sacada del hombre & # 8221 (Génesis 2: 23). Estos dos no eran hermano y hermana. Tenían una relación más profunda, estaban conectados por la creación. Para apoyar aún más este hecho, Hera una vez se llamó Dione, que es la forma femenina de Dios o Zeus. Robert Bowie Johnson, Jr., al abordar este tema, dice: & # 8220 Esto sugiere que los dos fueron una vez, como Adán y Eva, una sola entidad & # 8221 (& # 8220Athena y Eva & # 8221). Además de esto, Hera y Eve eran similares de otra manera. Ambas fueron consideradas madres. Génesis 3:20 se refiere a Eva como & # 8220 la madre de todos los vivos & # 8221. De manera similar, el poeta griego Alcaeus del siglo VI a. C. se refiere a Hera como la & # 8220 madre de todos & # 8221 (citado en Johnson, & # 8220Athena y Eva & # 8221). Incluso la longevidad de las vidas de Adán y Eva podría haber llevado a su deificación. ¡Adán vivió durante 930 años!

Más allá de Hera y Zeus, otros mitos griegos fueron influenciados por Génesis. Uno de esos mitos es Pandora y su infame caja. Ella, como Eva, fue la primera mujer. Pandora abrió la caja, desatando el mal en el mundo. Afortunadamente, sin embargo, no la abrió lo suficiente como para que la esperanza escapara. De manera similar, Eva comió el fruto del árbol y trajo el mal al mundo, pero la esperanza permaneció en la caja de Dios. En Génesis 3:15 Dios declara esta esperanza, & # 8220Y pondré enemistad entre ti (la serpiente tentadora) y la mujer (Eva), y entre tu descendencia y la de ella te aplastará la cabeza, y tú le herirás en el talón. & # 8221 Esta profecía de esperanza se cumpliría en Cristo. Otro mito, el nacimiento de Atenea, se hace eco del nacimiento de Eva. Como Eva fue concebida de un hueso de Adán, Atenea nació del cráneo de Zeus. Ambos nacieron como adultos. Incluso se puede dar un paso más al decir que solo tenían padres. Zeus era el padre de Atenea y Dios era el padre de Eva. Sobre este tema Johnson vuelve a declarar: & # 8220 No tengo ninguna dificultad en ver el nacimiento de Atenea en plena madurez de un dios masculino como una imagen de Eva & # 8217 el nacimiento en plena madurez de Adán & # 8221 (& # 8220 Los adoradores de la serpiente & # 8221). El último mito que se puede comparar con el Génesis es el mito de Hefesto. Era el dios de la forja y la metalurgia. Tubal-Cain, descendiente de Caín, fue el primer hombre registrado en practicar la metalurgia. De Tubal-Caín se deriva el dios griego Hefesto. Este es un ejemplo de cómo los griegos confundían a Dios y al hombre. Tenían historias sobre su antepasado que era un hombre, pero con el tiempo lo convirtieron en un dios.

Como los griegos representaron el tercer principio, el cuarto principio encuentra su representación principal en la civilización china. Aunque alguna vez adoraron a Shang Di, el pueblo chino pronto fue superado por las filosofías del confucianismo, las religiones del budismo y el taoísmo y, finalmente, el ateísmo del comunismo. Durante más de un milenio, la maquinaria del estado chino fue impulsada por las filosofías de Confucio. El principal problema es que se centra en el hombre a expensas de Shang Di. Luego, con el budismo, Shang Di fue empujado a un lado aún más. Cuando llegó 1911, el sacrificio anual a Shang Di era simplemente un ritual sin sentido, despojado de su memoria y belleza originales. En el vacío causado por el humanismo de estas filosofías y la pérdida de Shang Di, el ateísmo ganó poder. Este es el resultado de permitir que nuevas religiones y filosofías poderosas se arraiguen en la población. Shang Di, sin embargo, no está con su gente. Incluso mientras escribo este artículo, su poder se está extendiendo por China y la gente está llegando a conocer a su hijo: Jesucristo resucitado.

En conclusión, cuando los hombres se extendieron desde las llanuras de Shinar, llevaron consigo durante un tiempo el conocimiento del Dios verdadero. Su culto se estableció en lugares como China, Egipto y entre las tribus Cherokee. Pronto, sin embargo, & # 8220 intercambiaron la gloria del Dios inmortal por imágenes hechas para parecerse a hombres mortales y pájaros y animales y reptiles & # 8221 (Romanos 1:23). A través de cualquiera de los cuatro principios que ocurrió, muchas culturas perdieron su monoteísmo original y simple y se volvieron hacia creencias paganas. Esto es evidente en las culturas de Sumer, Egipto y, sobre todo, en Grecia, cuya propia mitología tiene las distintas influencias de Dios y la historia del Génesis. Sin embargo, esto no es una derrota para el Creador. Su voz todavía se puede escuchar hoy. Se eleva desde las ruinas del antiguo Egipto hasta el pináculo de China y el Templo del Cielo # 8217. Se extiende a toda la tierra, llegando a todos los hombres. Es como Pablo habla a los atenienses en Hechos 17: 26-27: & # 8220 De un solo hombre hizo (Dios) toda nación de hombres, para que habitaran en toda

tierra y determinó los tiempos establecidos para ellos y los lugares exactos donde debían vivir. Dios hizo esto para que los hombres lo buscaran y tal vez lo alcanzaran y lo encontraran, aunque no está lejos de cada uno de nosotros. & # 8221 Ya sea que se encuentre en Egipto, China o en cualquier nación de la tierra, Dios está llamando para ti hoy. Vas a responder?

"Amón". Wikipedia, la enciclopedia libre . 4 de diciembre de 2009, 23:13 UTC. 5 de diciembre de 2009 http://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Amun&oldid=329761085>.

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Benton, Janetta Rebold y Robert Di Yanni. Arte y Cultura . Upper Saddle River: Pearson Prentice Hall, 2005.


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