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¿Cuál es la historia del collar reventado?

¿Cuál es la historia del collar reventado?

Un cuello levantado en un polo se ha convertido en el símbolo de los Frat Boys y los aspirantes a todo el mundo. Especialmente en la cultura "Jersey Shore". Inicialmente pensé que tal vez estaba atado al estilo preppy de Nueva Inglaterra (el collar bloquea el viento para que no esté en un bote)

También puedes verlo en algunas películas cursis de los 80.

¿Cuándo comenzó la tendencia del cuello reventado y por qué?


El artículo de Wikipedia sobre el cuello vuelto hacia arriba es sorprendentemente informativo y relevante.

Con orígenes anteriores al siglo XX, el collar vuelto hacia arriba o "reventado" era algo omnipresente. Incluso el presidente James Buchanan llevaba el cuello vuelto hacia arriba:

En este momento, los collares vueltos hacia arriba eran desmontables y eran conocidos por ser bastante incómodos y rígidos.

La iteración moderna del 'collar reventado' se resume especialmente bien en el artículo de Wiki antes mencionado:

"Con la llegada de la camiseta de tenis, sin embargo, el cuello vuelto hacia arriba asumió un nuevo propósito. En 1929, René Lacoste, el siete veces campeón francés de Grand Slam, decidió que las camisas de vestir rígidas y las corbatas que suelen usar los tenistas también engorrosa e incómoda para la cancha de tenis. En su lugar, diseñó una camisa de algodón piqué de punto holgado con un cuello sobresaliente plano sin almidón y una cola de camisa más larga en la parte posterior que en la parte delantera. Esto se conoció como la camisa de tenis. El diseño de Lacoste exigía un cuello de piqué grueso que se usara levantado para bloquear el sol en el cuello. Por lo tanto, el cuello vuelto hacia arriba de la camiseta de tenis fue diseñado originalmente por el inventor de la camiseta de tenis, él mismo, para facilitar y comodidad en la cancha de tenis , ayudando al jugador a prevenir las quemaduras solares ".

Desde entonces, las camisetas han trascendido a la cultura popular y otros deportes. Piense en Diane Keaton en Annie Hall, James Dean en Rebelde sin causa o la estrella del Manchester United Eric Cantona.

Hoy en día, los cuellos reventados disfrutan de un legado y una reputación mixtos. Si bien muchas personas todavía los usan de la misma manera que René Lacoste pretendía a principios del siglo XX, los hermanos de fraternidad y los 'aspirantes' los usan para lograr ese aspecto 'preppy'.

Si bien es una referencia regular en el mejor de los casos (es difícil encontrar fuentes sobre este tema que no son dudoso), este sitio proporciona un suplemento interesante al artículo de Wiki mencionado anteriormente.


Lo que inicialmente popularizado el cuello levantado en los 80, junto con muchas otras modas "Preppy" (por ejemplo: el suéter que se usa alrededor del cuello o la cintura) fue The Official Preppy Handbook, que salió a la luz en 1980.

Nunca tuve una copia, pero tenía "esa edad" cuando salió, así que mucha gente las trajo a la escuela y yo las hojeé. (Yo asistía a una escuela preparatoria en ese momento). Mi recuerdo es que en realidad tenía páginas con imágenes de niños y niñas preppie con sus atuendos completos, con líneas que iban a partes específicas que querían señalar. Uno de ellos fue el collar "reventado" del niño (todavía no lo llamaban así).

Se suponía que el libro era burlarse de preppies titulados, pero como suele ocurrir cuando alguien intenta burlarse de la cultura juvenil, terminó convirtiéndolos en una moda pasajera. Sé que en mi propia escuela, fue cuestión de días antes de que algunos chicos comenzaran a hacer lo del cuello y el suéter atado, primero como una broma, y ​​luego lentamente ya no tanto como una broma. Esto fue en Oklahoma, por lo que es una extrapolación razonable para imaginar que esto está sucediendo en todo Estados Unidos. (Para un fenómeno similar, vea lo que sucedió con la canción de Frank Zappa Valley Girl dos años después).


6 tendencias de moda populares (que mataron a la gente)

Si conocemos a nuestros lectores, entonces estamos adivinando que la moda domina todos tus pensamientos. Pero, ¿hasta dónde llegarías para llevar los looks más recientes y más atractivos? ¿Usarías algo sabiendo que podría, en algún momento, matarte el trasero?

A lo largo de la historia, a hombres y mujeres se les ha hecho esa misma pregunta, y una y otra vez se encogieron de hombros y dijeron: "Eh, me arriesgaré". Así que terminamos con cosas como.


La mitra papal es una de las piezas más reconocibles del guardarropa del Papa. Es el tocado ceremonial que solo el Papa, así como los cardenales y obispos, están autorizados a usar.

También es uno de los atavíos más regios del Papa, erguido y, a menudo, ornamentado. Es un gorro plegable que consta de dos partes idénticas, reforzadas por un forro y que se elevan hasta un punto; algunos dicen que se asemeja a un pez con la boca abierta. Casi siempre es blanco, adornado con oro.

Se documenta que esta prenda de vestir papal apareció por primera vez en Roma a mediados del siglo X, y esta forma temprana se parecía más a una corona que a una gorra con visera.

La mitra es un símbolo de autoridad, y se dice que su legado se remonta hasta San Pedro, considerado el primer papa, quien fue representado en las monedas romanas usando una. De hecho, su altura, ostentación y forma única la convierten en una especie de corona cristiana para el líder de la Iglesia católica.


La historia de ... la chaqueta militar

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La moda y la guerra no parecen una combinación obvia, pero la chaqueta militar es un elemento básico de la moda. Puede tomar la forma de un uniforme de vestir cruzado con botones de latón y charreteras, adornado con una trenza de estrella de rock, o puede ser una chaqueta de combate de color caqui, usada con Doc Martens y con el ceño fruncido.

Aquí exploro cómo estas dos formas de chaqueta militar se pusieron de moda.

Una de las chaquetas militares más duraderas es el elaborado uniforme de gala del regimiento con sus hileras de trenzas doradas horizontales en la parte delantera y charreteras con borlas doradas en los hombros.

Cornet Henry John Wilkin, un húsar británico de la guerra de Crimea, 1855. Wikimedia Commons

Sus orígenes son los húsares del siglo XVIII, las tropas de caballos ligeros húngaros. Su pelliza, o abrigo exterior trenzado, tenía cuello alto con puños de piel y forro de piel. Aunque diseñado para la pompa en lugar de la comodidad, este uniforme se convirtió en el modelo de muchas formas de uniformes militares.

El estilo a medida, los detalles de piel y los adornos trenzados del uniforme de gala se abrieron camino en la ropa de mujer casi desde el principio, con mujeres de moda del siglo XIX vistiendo ropa inspirada en los uniformes de los oficiales. Puede haber comenzado como una forma de mostrar solidaridad con sus maridos oficiales, pero las chaquetas también eran muy halagadoras. La trenza y el latón eran atrevidos pero decorativos, aportando un cierto escalofrío por ser una reelaboración de estilos femenina desde una vocación decididamente masculina.

Mucho después de que terminaran los tipos de guerras que libraban los húsares, la moda y la chaqueta militar se volvieron a encontrar, cuando la tienda I Was Lord Kitchener's Valet en Portobello Road en Notting Hill de Londres comenzó a vender uniformes militares antiguos. Eric Clapton fue la primera estrella de rock en comprar en la tienda, seguido por John Lennon y Mick Jagger. Jagger compró una chaqueta roja de baterista de la Guardia Grenadier y la usó actuando en Ready Steady Go.

Rolling Stones - Píntalo de negro (Ready Steady Go).

Jimi Hendrix, él mismo un ex soldado, compró un antiguo uniforme de húsar que se remonta a la década de 1850. Muchas de las fotografías más icónicas de Hendrix lo muestran usándolo, con el torso desnudo debajo y con el pelo revuelto, un universo alejado del oficial erguido que debió haberlo usado 90 años antes.

Casi al mismo tiempo, las insignias militares hicieron una aparición llamativa en Sgt. Beatles de la era de los pimientos. Diseñado para su banda militar simulada de la era eduardiana, sus trajes brillantes y ácidos pueden verse como una nostalgia descarada por un imperio en declive.

Jimi Hendrix en el parque de atracciones Gröna Lund en Estocolmo, Suecia, 24 de mayo de 1967. Wikimedia Commons

A partir de ahí, las muchas variaciones de la pelliza del húsar original se convirtieron en un tropo del rock and roll. Michael Jackson usó muchas formas en su vestuario escénico. Él era el Rey del Pop, por lo que se vistió como tal, posando como la realeza con un uniforme de gala escarlata con borlas y trenzas doradas.

Adam Ant, Chris Martin de Coldplay y Rihanna han usado variaciones del uniforme de gala, agregando otra capa de historia a la chaqueta militar. Los diseñadores de moda de Lagerfeld a Givenchy han ofrecido versiones. Usarlo ahora evoca no solo la pompa y la ceremonia de otro mundo, sino también un hedonismo subversivo y de estrella de rock.

Sin duda, el uniforme que usó Hendrix mientras servía en el ejército de los EE. UU. Estaba muy lejos de la chaqueta de caballería de la década de 1850 que usaba como estrella de rock. Pero la chaqueta caqui más humilde de las tropas también ha sido absorbida por la moda.

Jackson en la Casa Blanca recibe un premio del presidente Ronald Reagan y la primera dama Nancy Reagan, 1984. Wikimedia Commons

En la década de 1940 en Gran Bretaña, las regulaciones impuestas bajo el Programa de Ropa de Utilidad en tiempos de guerra significaron que las modas se volvieron más ajustadas y menos adornadas por necesidad. La cantidad de tela y el estilo de la prenda estaban estrictamente regulados y se prohibieron los detalles extraños, como las solapas de los bolsillos. Cuando las mujeres se unieron al esfuerzo de guerra, vestían uniformes al igual que los hombres, y estos estilos se abrieron camino en la ropa de civil.

Mucho después de que terminó la guerra, las subculturas juveniles adoptaron los estilos utilitarios de las tropas con un espíritu muy diferente. La teórica de la moda Elizabeth Wilson recuerda cómo en la década de 1970, el equipo excedente del ejército:

era de rigueur si estabas en la izquierda “alternativa”, una “libertaria”, feminista, anarquista o revolucionaria en general.

Esta forma más áspera del uniforme militar puede verse como una protesta contra el sistema en los estilos punk, grunge de los noventa y "crusties".

Basándose en esto, tanto la alta costura como la moda rápida suelen lanzar versiones de la chaqueta militar caqui. La década de 2000 vio versiones de "glamourflage" (una confección de purpurina y ropa de faena) en las pasarelas y los centros comerciales, mientras que en nuestros televisores veíamos a las tropas en Irak y Afganistán.

Ahora, la protesta primero asociada con el uso de equipo excedente del ejército ha desaparecido, y las chaquetas caqui y los estampados de camuflaje son solo otro estilo de moda.

Temporada tras temporada, las chaquetas militares se reinventan y las referencias a uniformes de combate, soldados de libros de cuentos y estrellas de rock se mezclan y se vuelven a hacer nuevas.

En las nuevas versiones, como declara una reciente Vogue de EE. UU., Las chaquetas militares están "volando hacia el futuro, con formas moldeadas, accesorios de ciencia ficción y actitud de guerrero Jedi".

Y así, sin duda, la moda seguirá cooptando el valor y el glamour de los uniformes militares, tanto reales como imaginarios.

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Otros tipos

Vestimenta tradicional manchú: Es la vestimenta tradicional de la nacionalidad étnica manchú, generalmente en forma de vestido largo y en ocasiones con chaqueta o chaleco en el exterior. Dado que el manchú es la clase dirigente de la dinastía Qing y sus vestidos fueron fuertemente promocionados, este tipo de ropa fue muy popular en ese período. Las características son cuello redondo o recto, abrochado con botones en el cuello derecho y fajín en la cintura, dos o cuatro aberturas y mangas ajustadas con puños en forma de pezuña de caballo.
Vestimenta tradicional de las otras minorías étnicas: además del manchú, el país tiene 54 minorías étnicas y cada una de ellas tiene sus propios trajes únicos. A diferencia de los trajes tradicionales chinos Han, estos trajes todavía se usan ampliamente en la actualidad. Básicamente, se pueden dividir en dos tipos: vestido largo y abrigo corto con pantalón o falda. Por lo general, usan vestidos largos con sombreros y botas, otros prefieren el abrigo corto y generalmente se envuelven la cabeza con tela y usan zapatos. Las personas que usan el mismo tipo de ropa se pueden distinguir aún más por los detalles del vestuario como la estructura, la artesanía y el estilo, etc. Tome el vestido largo, por ejemplo. Las nacionalidades mongol y tu prefieren vestidos de cuello alto con botones en la parte delantera, los grupos de Tíbet y Monba usan vestidos sin cuello con botones en un lado y los uygur aman los que tienen botones en el lado derecho.

Túnica de dragón: se llama así por los dragones bordados en ella. Solo puede ser usado por el emperador, quien era considerado un dragón del cielo en la antigüedad. Otras características de una túnica de dragón son el cuello redondo, los botones a la derecha y la mayoría de las veces en amarillo brillante.
Funcionarios y rsquo Uniforme: a diferencia de la China moderna, casi todos los tipos de funcionarios en la antigüedad tenían uniformes. Se distinguen estrictamente por colores, patrones bordados y sombreros, etc. Por ejemplo, en la dinastía Ming, el patrón bordado en un uniforme de oficial civil y rsquos de primer rango era una grulla, el segundo rango un faisán dorado, el tercero un pavo real, el cuarto rango un ganso salvaje, quinto rango un faisán plateado, sexto rango una garza, séptimo rango un & ldquopurple mandarin duck & rdquo, octavo rango un oropéndola y noveno rango una codorniz.
Trajes de boda tradicionales: los trajes de boda tradicionales chinos varían en diferentes dinastías y períodos de tiempo. Sin embargo, son rojos la mayor parte del tiempo, ya que el rojo se considera afortunado, feliz y auspicioso en la cultura country & rsquos. Los más conocidos son la coronilla roja y las túnicas oficiales, que aún hoy en día son muy utilizadas por los recién casados ​​en ceremonias de boda de estilo tradicional o para tomar fotos de boda.


Se abre la primera montaña rusa en Estados Unidos

El 16 de junio de 1884 se abre la primera montaña rusa de Estados Unidos en Coney Island, en Brooklyn, Nueva York. Conocido como un ferrocarril en zigzag, fue una creación de LaMarcus Thompson, viajó aproximadamente a seis millas por hora y costó cinco centavos. El nuevo entretenimiento fue un éxito instantáneo y para el cambio de siglo había cientos de montañas rusas en todo el país.

Coney Island, un nombre que se cree que proviene de los holandeses Konijn Eilandt, o Rabbit Island, es una extensión de tierra a lo largo del Océano Atlántico descubierta por el explorador Henry Hudson en 1609. El primer hotel abrió en Coney Island en 1829 y, en los años posteriores a la Guerra Civil, el área era un complejo turístico establecido con teatros y restaurantes. y una pista de carreras. Entre 1897 y 1904, surgieron tres parques de atracciones en Coney Island & # x2013Dreamland, Luna Park y Steeplechase. En la década de 1920, se podía llegar a Coney Island en metro y multitudes de un millón de personas al día acudían allí para paseos, juegos, espectáculos, la playa y el paseo marítimo de dos millas y media, terminado en 1923.

Se dice que el hot dog fue inventado en Coney Island en 1867 por Charles Feltman. En 1916, un ex empleado de Feltman abrió un puesto de perritos calientes de níquel llamado Nathan & # x2019s y se convirtió en una institución de Coney Island y una franquicia internacional. Hoy, Nathan & # x2019s es famoso no solo por sus hot dogs sino también por su concurso de comer hot dogs, que se lleva a cabo cada 4 de julio en Coney Island. & # XA0

Las montañas rusas y los parques de atracciones experimentaron un declive durante la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, cuando los estadounidenses tenían menos dinero en efectivo para gastar en entretenimiento. Finalmente, en 1955, la apertura de Disneyland en Anaheim, California, marcó el advenimiento del parque temático moderno y el renacimiento de la montaña rusa. El éxito de Disneyland & # x2019 provocó una ola de nuevos parques y montañas rusas. En la década de 1970, los parques competían para crear las atracciones más emocionantes. & # XA0


Moda en 1973

Había abrigos de suéter, vestidos de suéter e incluso trajes de suéter. Muchos de ellos estaban adornados con pieles, especialmente de zorro. Los suéteres hasta el suelo venían con o sin brillo. El cárdigan grueso, con cuello chal y cinturón, a menudo en marrón y blanco, reemplazó a las blusas retráctiles de 1972 & # 8217.

El nuevo sentimiento entre los diseñadores era que los conjuntos tenían que trabajar más y más y poder cambiarse con la simple adición de una camisa, pantalón o accesorio.

Por primera vez en décadas, hubo una escasez significativa de materias primas y tejidos. El costo de los sintéticos como el vinilo y el nailon también aumentó. Como resultado, los diseñadores de todos los días mantuvieron las cosas simples.

Las telas y los patrones más populares en 1973 eran tweeds, franelas, cuadros, cuadros y rayas. Óxido, melocotón, mandarina, cobre, verde bosque, pistacho eran colores populares.

Los accesorios se atenuaron. Cadenas de oro, aretes con botones de oro y broches de diamantes de imitación estaban encontrando su camino de regreso a la naturaleza después de haber estado escondidos en favor de las joyas caseras durante unos años.

Quizás el mayor cambio en la moda femenina en 1973 no fue en absoluto una prenda de vestir: fue su cabello. Un paje más bajo, pulido y largo hasta los hombros o un corte corto con flequillo hacia arriba enmarcando la cara eran los peinados del nuevo. El cabello más corto provocó un llamado a los sombreros. Una opción elegante para la noche fue el pequeño sombrero con velo negro, a menudo acompañado de boas de piel o plumas.

La moda masculina era más agradable que agresiva. La tendencia se inclinó hacia lo discreto y cómodo. Los colores neutros y las telas estándar componían la mayoría de la ropa nueva para hombres. Una nueva moda & # 8212 tubería & # 8212 apareció en blazers y trajes. Las chaquetas tipo guisante, las chaquetas de béisbol y las chaquetas universitarias eran la elección común del hombre # 8217 en un día de otoño activo.

Oscar de la Renta fue incluido en el Salón de la Fama de Coty en 1973.


Ropa de mujer

La moda rara vez se contiene perfectamente en una década, y el estilo popular que dominó la ropa femenina en la década de 1950 surgió realmente a fines de la década de 1940. Cuando apareció "New Look" de Christian Dior en febrero de 1947, se convirtió en un éxito instantáneo y la cintura recortada y la silueta de falda amplia siguieron siendo el estilo principal hasta mediados de la década de 1950. A medida que avanzaba la década, la silueta dominante se volvió progresivamente más recta y delgada, y a medida que la moda comenzó a buscar inspiración en el nuevo “adolescente”, la elegancia y formalidad de la primera parte de la década comenzó a disminuir.

Cuando comenzó la década de 1950, la resistencia inicial a la extravagancia del New Look había disminuido y la silueta se afianzó tanto en la ropa de día como en la ropa de noche para mujeres. El propio Dior continuó produciendo diseños que siguieron la línea femenina incluso al incorporar nuevos elementos, como el collar estructural que se ve en la figura 1. Si bien esta forma siguió siendo popular hasta al menos 1954, en su Libros de consulta de moda: 1950, John Peacock describe cómo evolucionó esta figura a lo largo de la década:

“Desde los comparativamente tempranos del 'New Look', cuando los hombros cuadrados y los detalles masculinos de la década de 1940 aún perduraban, pasando por los estilos ultrafemeninos y lujosos de mediados de la década de 1950: ropa con hombros suavemente suavizados, cinturas diminutas y encorsetadas, caderas redondeadas y faldas largas y arremolinadas a sólo once pulgadas del suelo ”(7).

Incluso a medida que la silueta evolucionó, su estilo central se vio en vestidos de noche, vestidos de día y vestidos separados. Un vestido de Givenchy de 1953 muestra cómo se rediseñó la forma a lo largo de la década sin dejar de ser fiel a la cintura recortada y la falda amplia (Fig. 3). El motivo de guisantes, junto con los vestidos estampados brillantes en Vivir mejor revista (Fig.2), demuestra una alegría que surgió en el patrón, mientras que el vestido Charles James & # 8220Clover Leaf & # 8221 (Fig.4) y el vestido de noche Balenciaga (Fig.5) muestran la experimentación en la construcción que tuvo lugar en los años cincuenta. .

Fig. 1 - Christian Dior (francés, 1905-1957). Nueva York, 1950-51. Lana. Nueva York: Colección de vestuario del Museo de Brooklyn en el Museo Metropolitano de Arte, 2009.300.299. Donación del Museo de Brooklyn, 2009 Donación de Jeanne Eddy, 1961. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Fig. 2 - Vivir mejor. Hay noticias impresas, 1952. Película clásica. Fuente: Flickr

Fig. 3 - Hubert de Givenchy (francés, 1927-2018). Vestido, 1953. Linen. Nueva York: Colección de vestuario del Museo de Brooklyn en el Museo Metropolitano de Arte, 2009.300.913a, b. Donación del Museo de Brooklyn, 2009 Donación de Lauren Bacall, 1967. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Fig. 4 - Charles James (Americano, 1906-1978). Hoja de trébol, 1953. Seda, seda / rayón. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte, C.I.53.73. Donación de Elizabeth Fairall, 1953. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Fig. 5 - Cristóbal Balenciaga (español, 1895-1972). Vestido de noche, 1951. Silk. Nueva York: The Metropolitan Museum of Art, 1993.393.1. Donación de Gina Gerardo, 1993. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Sin embargo, aunque la apariencia era omnipresente, no fue la única que saltó a la fama en los años cincuenta. De hecho, el comisario de moda Daniel Milford-Cottam escribe en Moda en los 50:

“Un aspecto particularmente sorprendente de la década fue la aparición de opciones con estilo. Dos mujeres podrían caminar por la calle con diferentes atuendos, pero parecer igualmente modernas, ya sean sus faldas anchas y estrechas, o una con una funda ajustada y la otra con un vestido de saco holgado ". (13)

Continúa explicando que la idea de elegir en lugar de seguir un estilo específico era relativamente nueva en la década de 1950. A medida que avanzaba la década, estas opciones se volvieron variadas a medida que nuevos diseñadores como Cristóbal Balenciaga, Charles James y Hubert de Givenchy introdujeron diferentes siluetas. En Vestuario y moda: una historia concisa, Escribe James Laver, “A medida que avanzaba la década, la ropa se volvió menos estructurada y más recta en el corte” (258). Introducido por Chanel, Dior y Balenciaga por la misma época, el traje de corte recto, en contraste con el New Look, enfatizaba la forma natural de una mujer con la chaqueta colgando en el punto más ancho de las caderas, como se ve en la figura 6. En En la segunda mitad de la década, las vainas - como el traje de Givenchy en la figura 8 & # 8211 y los vestidos camiseros de cintura alta, introducidos por Balenciaga en 1957, se hicieron populares. El traje Balenciaga usado por la modelo Suzy Parker (Fig. 7) muestra el contorno de swing que él prefería.

Mientras diseñadores como Dior, Balenciaga y Charles James creaban hermosas piezas de alta costura, la locura por la ropa deportiva continuó. Claire McCardell, la diseñadora estadounidense que saltó a la fama en la década de 1940, continuó produciendo sus populares vestidos cruzados y también introdujo pulsadores de pedal con blusas a juego (Laver 258). Si bien en general, la moda en la década de 1950 se enorgullecía de la elegancia, las mujeres jóvenes recurrieron a McCardell y otras prendas deportivas y diseños menos formales, como el vestido de verano y el traje de baño en la figura 10. Quizás una de las imágenes más perdurables de la moda cotidiana en los años cincuenta es la "falda de caniche . " Atribuidas a Juli Lynne Charlot de California, estas sencillas faldas de fieltro se cortaron en un círculo y podrían tener cualquier tipo de adorno, no solo un caniche (Milford-Cottam 20). Se combinaron con twinsets de punto ajustado y, aunque mucho más informales que la alta costura que sale de París, estas faldas seguían la línea del New Look con una cintura definida y una falda amplia como se ve en la figura 9.

Fig. 6 - Gabrielle Chanel (francés, 1883-1971). Traje, ca. 1957. Lana. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte, 1976.370.2a – c. Donación de la Sra. Stephane Groueff, 1976. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Fig.7 - Louise Dahl-Wolfe (Estadounidense, 1895-1989). Suzy Parker en Cristóbal Balenciaga, 1953. Kristine. Fuente: Flickr

Fig. 8 - Hubert de Givenchy (francés, 1927-2018). Conjunto, 1958. Lana. Nueva York: Colección de vestuario del Museo de Brooklyn en el Museo Metropolitano de Arte, 2009.300.842a, b. Donación del Museo de Brooklyn, 2009 Donación de la Sra. William Randolph Hearst, Jr., 1960. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Fig. 9 - Fotógrafo desconocido. Damas de vinilo, ca. 1950. Fuente: Pinterest

Fig. 10 - Carolyn Schnurer (Estadounidense, 1908-1998). El vestido Hakama, 1952. Algodón. Nueva York: Colección de vestuario del Museo de Brooklyn en el Museo Metropolitano de Arte, 2009.300.3141. Donación del Museo de Brooklyn, 2009 Donación de Carolyn Schnurer, 1952. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Fig. 11 - Cristóbal Balenciaga (español, 1895-1972). Cristóbal Balenciaga, 1957. Kristine. Fuente: Flickr

Fig. 12 - Gabrielle Chanel (francés, 1883-1971). Zapatos, ca. 1959. Cuero, metal. Nueva York: The Metropolitan Museum of Art, 2004.333.23a, b. Donación de Bradford Dillman, 2004. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Aunque se volvió cada vez más aceptable para las mujeres usar pantalones en algunas ocasiones, en general, el estado de ánimo de la moda en los años cincuenta se inclinaba hacia la feminidad y la formalidad. Esto fue especialmente cierto en la ropa de noche, ya que el vestido de cóctel se presentó al público. Usados ​​para el nuevo cóctel, estos vestidos se encuentran entre la ropa de día y los vestidos de noche, cayendo a la longitud de un vestido de día pero adornados como ropa de noche (Fig. 11). Para la ropa de noche formal, incluso cuando las vainas y los vestidos ajustados se hicieron populares, el vestido de falda amplia siguió siendo la moda a lo largo de la década, como el vestido de noche muy adornado de Dior en la figura 13. El corpiño sin tirantes relativamente nuevo fue especialmente popular como -corpiño de plumón equilibraba las anchas faldas.

No importa a qué hora del día, a lo largo de la década, era sumamente importante que una mujer tuviera un aspecto impecable. Esto significó un cabello perfectamente arreglado, maquillaje impecable y juegos de accesorios a juego. Esto fue alentado a través de la glamorosa fotografía de moda del día (Fig. 14). La historiadora de la moda Gerda Buxbaum escribe en Iconos de la moda: el siglo XX, “Los largos años de privación durante la Segunda Guerra Mundial provocaron un anhelo por el lujo y las cosas de moda, y las mujeres hicieron un esfuerzo especial por vestirse apropiadamente para cada ocasión, se consideró imperativo que los accesorios de uno combinaran perfectamente” (69). Ya sea que llevara un gemelo y pantalones, una falda de caniche, un vestido tubo o uno de los estilos New Look de Dior, una mujer hizo todo lo posible para asegurarse de lucir bien combinada a través de sus accesorios y su estilo general. Después de todo, esos infames zapatos Chanel de punta negra (Figura 12) aparecieron a fines de esta década.

Fig. 13 - Christian Dior (francés, 1905-1957). Mayo, Primavera / Verano 1953. Seda. Nueva York: Museo Metropolitano de Arte, C.I.60.21.1a, b. Donación de la Sra. David Kluger, 1960. Fuente: Museo Metropolitano de Arte

Fig. 14 - Irving Penn (Estadounidense, 1917-2009). Abrigo de manto Balenciaga (Lisa Fonssagrives-Penn), París, 1950, impreso en 1988. Impresión en platino-paladio 66,2 x 55,9 cm (26 1/16 x 22 pulg.). Nueva York: Museo Metropolitano de Arte, L.2018.62.8. Donación prometida de la Fundación Irving Penn. Fuente: Museo Metropolitano de Arte


La historia del traje por década

A principios del siglo XIX, el estilo masculino en Inglaterra era básicamente una pesadilla de disfraces: los caballeros adinerados vestían abrigos con frac, medias de seda, calzones hasta la rodilla (?!) Y, lo peor de todo, pelucas empolvadas. Pero luego apareció Beau Brummell y básicamente inventó el traje que todos seguimos usando hoy.

Beau Brummell

Si aprecia la forma en que un traje consta de dos piezas simples que lo ayudan a vestirse sin mucho alboroto, agradezca a Beau Brummell. Brummell fue un motor y un agitador en la vida de la corte inglesa de principios de 1800, posiblemente el hipster original, y definitivamente el hombre que cambió para siempre el juego de la moda masculina al rechazar las populares levitas y las pelucas empolvadas de la época en favor de chaquetas simples y pantalones largos. —Que eventualmente se convertirían en los trajes que conocemos hoy. Según cuenta la leyenda, influyó en el escalón superior de la sociedad británica al entablar amistad con el príncipe (que se convertiría en el rey Jorge IV), a pesar de que él mismo no era un noble adinerado. Va a demostrarle que no se necesita mucho dinero para tener un gusto impecable. (Dicho esto, Brummell huyó de Inglaterra después de acumular una tonelada de deudas impagas).

Abraham Lincoln

El honesto Abe hizo que Brooks Brothers se viera genial antes de que Washington fuera invadido por banderas y combinaciones.

Década de 1900: nuevo siglo, nueva sastrería

Cuando entrevistamos a Ellen Mirojnick, directora de vestuario de la elegante serie Showtime El Knick, nos dijo que los trajes alrededor de 1900 se definían por "colores oscuros, tejidos oscuros, telas resistentes y lanas gruesas" para la mayoría de los hombres. Aquellos en ciudades más vanguardistas como París y Londres agregaron un poco más de estilo a sus atuendos que los de Estados Unidos, pero el ajuste de todo se mantuvo básicamente constante al otro lado del Atlántico. Posturas altas de botones (a menudo acompañadas por las ahora inauditas chaquetas de cuatro botones), solapas delgadas, agujeros para los brazos irrazonablemente altos y cuellos de camisa de papel altos completaron el look. Los trajes de tres piezas prevalecían, a menudo con un chaleco cruzado debajo de la chaqueta de un solo botón (lo que sería un aspecto arriesgado y algo desaconsejado hoy en día).

Supervivientes del Titanic

Nada es tan vergonzoso como presentarse al día de la foto y tener a todos tus amigos vistiendo lo mismo que tú.

Los chicos de Peaky Blinders

Cillian Murphy luce un aire mientras interpreta a un gángster que maneja armas en esta serie de la BBC increíblemente elegante que se transmite actualmente en Netflix en Estados Unidos.

Clive Owen en El Knick

Su cabello está despeinado (tal vez sea por inyectarse toda esa cocaína), pero su traje permanece a punto.

Década de 1920: gastar dinero rápidamente

Los rugientes años 20 se trataban de mostrar su riqueza, lo que significaba trajes nuevos elaborados y muy adornados. Los accesorios como alfileres de corbata y pasadores de corbata pasaron a primer plano, mientras que las coloridas camisas, corbatas e incluso los propios trajes eran representativos de las vibraciones del jazz de la época. Los pantalones eran de cintura alta y algo holgados, mientras que las chaquetas se aflojaban un poco debido a la sastrería de principios de siglo, que parecía una armadura, especialmente en los círculos más obreros.

Charlie Chaplin

La primera estrella de cine de Estados Unidos vestía una versión exagerada de los trajes cotidianos de la época, a saber, una chaqueta deportiva ceñida y pantalones abultados.

Un ícono (ficticio) de riqueza considerable y conspicua, Gatsby enfatizó los detalles brillantes, audaces y por sí mismos de la moda de 1920.

F. Scott Fitzgerald

El hombre que nos dio Gatsby en realidad tenía un sentido del estilo algo dócil para la época, aunque todavía se entregaba a los habituales trajes de tres piezas y pañuelos de bolsillo tontos.

Década de 1930: más grande, más malo, corredor

La Gran Depresión dejó al país sin un centavo y sin estilo. Los trajes anchos cruzados en colores sombríos subieron a la prominencia, proliferaron los pantalones de pierna ancha.

Líneas de sopa americana

Te vistes para el tipo de año que estás teniendo.

El gángster más famoso de todos los tiempos fue una rara excepción a una de las épocas más monótonas del estilo estadounidense. Su estilo característico, trajes de tres piezas y grandes joyas, todavía es imitado por los aspirantes a peces gordos de hoy.

Fred Astaire

Otra excepción a los tiempos, Astaire bailó hasta el corazón de Estados Unidos y ofreció un pequeño escapismo sartorial con trajes blancos, zapatos llamativos y trajes de un solo botón. Tom Ford lo aprobaría.

** Década de 1940: cuando el traje dio paso al uniforme **

Estados Unidos estaba en guerra y las fibras naturales se utilizaron para fabricar uniformes militares, no trajes para los hombres que se quedaron en casa. Por lo tanto, la tela se usó con moderación, lo que llevó a un mínimo histórico de trajes de tres piezas, puños y bolsillos para boletos. El rayón también comenzó a reemplazar las lanas y tweeds tradicionales. Puede sonar terrible, pero la década aún dio lugar a algunos iconos de estilo.

Bing Crosby

El hombre que nos trajo "Navidad blanca" nunca fue visto sin una camisa de vestir blanca impecable, que a menudo usaba con una pajarita o, más casualmente, sin corbata.

Nat King Cole

Incluso en el día en que los hombres no estaban a salvo de los pañuelos de bolsillo fuera de control.

Humphrey Bogart

La estrella de cine más grande de la década sigue siendo el pináculo del estilo atemporal de clase alta.

Gary Cooper

Cooper protagonizó 84 películas a lo largo de su carrera. Cuando estás tanto en pantalla, tiendes a desarrollar un uniforme. Cuando no estaba vestido como un vaquero, Cooper lucía trajes grises con cortes clásicos.

Década de 1950: ¡Represión que puedes usar!

En retrospectiva, es un poco irónico que la era de la paranoia del comunismo en Estados Unidos también fuera una época en la que todos los hombres se vestían como clones. Los trajes oscuros, las camisas blancas, las corbatas oscuras y los pañuelos de bolsillo blancos no solo dominaban: eran prácticamente un requisito en los negocios. Las chaquetas y los pantalones le quedan holgados, especialmente en el joven y prometedor rockero Elvis Presley, cuyos pantalones (y caderas) más holgados causaron ansiedad a los padres de Estados Unidos.

Es casi imposible encontrar una foto en la que James Dean se vea mal con ropa. Así que cuando se puso un traje de tres piezas, especialmente uno oscuro con solapas delgadas y una corbata delgada, se veía casi perfecto.

Elvis Presley

La arrogancia de Presley se trasladó a su juego de traje, que consistía en chaquetas más holgadas que se mecían sobre polos. Sus calcetines blancos prepararon el escenario para las raíces del estilo rebelde del rock.

Frank Sinatra

Compared to Elvis, Frank might have been conservative, but he didn’t lack for confidence.

1960s: Apparently Suits Can Take Acid, Too

Thanks in no small part to Hombres Locos, we’re all familiar with—and influenced by—the look of the 1960s. But this was a decade of drastic change, and, as always, the way men dressed reflected what was going on in the broader culture. That means that in the early 60s, you see the residual effects of the cookie cutter ‘50s, but with slimmer everything—ties, lapels, and pants. Then came acid, the hippie movement, the culture wars. and things started to get far out.

Martin Luther King Jr

Dr. King’s suits were part politician, part preacher, all business (note the utilitarian metal donut buttons on his jacket).

Sure, the guy doesn’t actually exist, but he looks damn good doing it.

John F. Kennedy

JFK embodied what we now know as American preppy style, suits included. Pinstripe suit, white shirt, collegiate rep tie has remained a winning and unimpeachable style move ever since.

Los Beatles

When they first appeared Stateside on the Ed Sullivan show, they were in matching dark suits. But with the ’70s on the horizon and Vietnam in full effect, Paul, John, George, and Ringo abandoned skinny suits in favor of clothes as groovy and psychedelic as their increasingly tripped-out music.

1970s: The Leisure Suit

In the 1970’s, suits continued to expand. Maybe it was a return to the wider lapels of the ‘30s and ‘40s—along with the synthetic fabrics of the World War II era—or maybe it was just too many drugs (and too much disco). Tie knots and shirt collars got so wide they now look comical, and there was more polyester in the streets than outside a SoulCycle class in 2015.

David Bowie

Even on the uber-weird, iconoclastic side of the spectrum (and in that world, Bowie is basically emperor), lapels were massive and tie knots were massiver in the ’70s.

Peter Finch

Of course, not everyone was down with maroon and mustard polyester three-pieces. In _Network, _Peter Finch still looked timeless.

1980s: Boss and The Bowery

Richard Gere’s game-changing Armani suit in American Gigolo is legendary for its looser fit and effortless swagger, and it cleared the way for the wide-shouldered, sleeves-rolled pastel yachting suits of Don Johnson on Miami Vice. On Wall Street, folks were dressing like Gordon Gekko in what would become known as “The Power Suit.” Basically the more conspicuous one’s wealth, the better. Padded shoulders, suspenders, banker stripes, pinstripes, double-breasted jackets, pleats, and an affinity for hair gel were all hallmarks of the “Greed is good” mentality.

Don Johnson

There’s a reason the white suit is a rare bird—it can make you look like a tablecloth with a head. Don’s white espadrilles weren’t helping.

Johnny Rotten

Meanwhile, in England and eventually CBGB in New York, punk rockers were turning the era on its head and inventing their own sense of style—suits most definitely included—that consisted of a hodge podge of old jackets, ripped jeans, and ironic neckties.

Gordon Gekko

Everyone remembers “Greed is good,” but what always stuck with us was Gordon’s attention to detail, i.e. his vanity. Suspenders, contrast collar shirts, and sophisticated tie bars didn’t just evoke power, they announced an air of superiority.

Pee-Wee Herman

Paul Reubens played his shrunken gray suit for laughs little did he know everyone would be dressing this way twenty years later thanks to Thom Browne.

1990s: The Suit Loses Its Way

The most memorable thing about suits in the ’90s is that they the lost the fight against business casual. With less men than ever suiting up for work, an entire generation forgot all the fundamentals. The oversized silhouette of the ‘80s stuck around, but minus the Wall Street swagger and sense of purpose. Pants were wide… but they just pooled around square-toed shoes. Ties were wide. but they were attached to billowing dress shirts and often featured cartoon characters and sports logos. Pleats were more popular than ever, but mostly to accommodate the expanding hips of Generation McDonalds and a misguided obsession with comfort. We can even admit that a few times in the ‘90s we may have steered you wrong (see Tiger Woods cover).

Pierce Brosnan

You know times were tough when even James Bond thought it was okay to rock a suit jacket with mom jeans.

Michael Keaton

Things weren’t much better for Batman, either.

Ok, so, obviously it wasn’t all bad. Then again, Brad Pitt can make anything look cool. (Even aviator glasses with see-through lenses and hair gel. Yikes.)

Props to a young Jalen Rose for making a splash, but in the ➐s, NBA style was lightyears away from the high standards we hold it to today.

David Letterman

Another bright spot: David Letterman, in his iconic double-breasted suits that matched the personality of his gap-toothed grin.

2000s: The Suit Rises Again

In the new millenium, the world of suits exploded into the multi-faceted and endless universe we know it to be today. In the early-aughts, Hedi Slimane changed the game by sending super-skinny, idealized versions of 1960s rocker style down the Paris runways, ushering in a new era of fitted clothing. A couple years later, Thom Browne doubled down on Hedi’s blueprint with cropped pants and jackets, driving home the idea that suits should fit slim by exaggerating it. _Mad Me_n featured Don Draper in narrow-lapeled suits and perfectly-folded pocket squares, cementing the 1960s as the classic era when American men got it right. Towards the end of the aughts, the Internet’s ever-growing crop of menswear blogs—rather, #menswear—introduced Americans to soft-shouldered Italian suits, “sprezz,” and “Geezer style.” NBA players got in on the action, too, sometimes taking things a step too far in their declarations of personal style and zealousness to compete off the floor. Today, whether you’re into classic ’60s tailoring, loud patterns, hard-boiled wool three-piece suits, or dressing like your grandpa, there’s a suit out there for you.

Lapo Elkann

The rise of street style blogs made Lapo Elkann, heir to the Fiat fortune, an instant micro-celebrity. No one else in the new millenium has worn suits with as much over-the-top panache.

Wide lapels and tight waists are some of the hallmarks of a Tom Ford suit, but it’s luxury and opulence that are its most memorable traits. If you’re trying to look modern with a wink at 1970s glamour, then Tom Ford is the man—and the brand—for you.

The early aughts saw Jay Z in baggy T-shirts and Timberland boots, but towards the end of the decade he caught the suit-revival wave and started donning some mean tailored beauties.

Justin Timberlake

Timberlake brought sexy back in three-piece suits on his FutureSex / LoveSounds tour, while simultaneously birthing the “sneakers with a suit” look we’re still addicted to today. He also happens to be one of the only guys this century to drop a song explicitly about getting suited-up, so bonus points there.

Tom Brady hasn’t just won more Super Bowls in the 21st century than any other quarterback. He’s been the league’s best dressed player for close to a decade. We’d like to take all the credit… But maybe Tom Ford and Gisele deserve some, too.

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What is the history of the popped collar? - Historia

Leather clothing in mainstream movies has been present since the early days of cinema. In the movie "The Virginian" from as early as 1929, we can see world famous Gary Cooper, 28 at the time, as a cowboy in black leather chaps. It was his first sound film. The western genre has shown more leather. Left Dirk Bogarde in the 1960 film "the Singer not the Song".

Left: Dirk Bogarde 1960.
Right: Gary Cooper 1929.

Leather pants vs. jackets in movies

Although leather has been present very early, as we can see from the example above, a main character wearing leather pants is not a very common thing. Oh yes, there are a lot of films portraying the leather world of bikers and bad boys. A long list of movies starting as early as 1954 with "the wild one" and Marlon Brando. Also on that list "Wild Angels" (1966) and of course the well known 1969 movie "Easy rider". But most of the men portrayed in these films wear leather jackets, not leather pants.

Cult biker films from the 1950's and 1960's.

This is the case in most American movies. In Europe wearing leather jackets, at least outside the UK, has always been more generally accepted. To portray a really tough guy in Europe, he would have to wear more than just a leather jacket. In the 1956, German movie "Die Halbstarken" (the Hooligans), a German answer to James Dean in Rebel without a cause (from 1955), with a similar story, the main character wears leather pants throughout the entire film. Actor Horst Buchholz (1933-2003) looked very good in this film. He was just 22 when most of the filming was done.

From the German 1956 film "die Halbstarken" (the Hooligans).

Connecting leather with homosexuality

In the British film The Leather Boys from 1964 leather pants play an exceptional role. At first it seems to be one of the classic motor cycle films. But that is not really true -we learn from a contemperary magazine- "The Leather Boys is not really about leather or motor-bikes but very much about boys and their attitudes towards girls, and each other. Mostly each other, which is unusual in British or American cinema, where homosexual relationships are taboo". The movie was filmed on location at the Ace Caf in London with the participation of many Rockers meeting there.

From the 1964 English film "the Leather Boys".

The leading character wears leather pants only in a few scenes: the scenes in which the gay man -who does wear leather pants throughout the entire film- and he are closest. It seems the maker tries to emphasize the fact that the two men become very close by having them both wear leather pants. It makes this movie an early mainstream example of a connection between homosexuality and leather pants.

Allthough the percentage of men in leather pants in films is low, just because there are so many movies, there were still numerous men in leather in movies over the years. Sometimes even twice, like in the original movie Shaft and in the remake.

Left: original Shaft (1971). Right: Remake (2000).

It would be impossible to have a complete story on all those films here. So instead, we have a random number of films in which men wear leather pants. There is a pattern to be seen. If the movies portray pop stars, bikers, a science fiction story or just violent men, there is a higher probability of these men wearing leather pants.

In 1980 Europe saw the release of Mad Max, a must for people that love to see men in leather. In this Australian look into the future the "good guys" wear black leather. That's a change!

Mel Gibson as Mad Max in full leather.

In 1982, Grease II hit the cinema in Europe. The leading role was played by Maxwell Caulfield and he was covered in leather, head to toe. At least at night, when he tried to impress the girl. He impressed us too, maybe even more than the girl.

Maxwell Caulfield head to toe in leather. 1982 stills from Grease II.

It is interesting to see how a guy wearing leather in 1961 (the story is set in that year) is portrayed in an eighties movie. Compare these pictures to the pictures of the English Rockers of the sixties.

Promotional shots for Grease II, Maxwell Caulfield as a sexy leatherboy.

In 2011 photographer Richard Pier Petit published a tribute to this photo series: "Not long ago, I acquired a stack of vintage magazines, and among them was a 1982 copy of After Dark, with Maxwell Caulfield on the cover [. ] I thought it would be interesting to pay a winking tribute to some of those earlier images".


This 2011 tribute is clearly inspired by the shots for Grease II.

Shakespeare and Terminator

Even Shakespeare can be told by actors wearing leather. In the nineteen sixties, "Othello" has often been performed on stage by actors in black leather pants and a sweater. But when the stories are turned into a movie, we can sometimes see leather too. In "Much ado about nothing" (1993), it was the really bad guys wearing black leather pants again. (One of whom played by Keanu Reeves, who is known for wearing leather pants in real life too.)

Left: Keanu Reeves. Right: Arnold Schwarzenegger.

Not quite Shakespeare is the Terminator series. In 1984 and 1991 the world saw two Terminator movies. Arnold Schwarzenegger, originally an Austrian who now even made it to US governor, played an indestructible leather clad cyborg who traveled through time. Late 2003 came the third movie, and yes Arnold was sporting a nice leather outfit in that one too.

At the turn of the century there were suddenly quite a number of films with actors in leather. In 2000 we see James Marsden and Hugh Jackman in very nice full leather suits in the movie X-men. In 2001 another movie about a rock star, appropriately called "Rock Star" was released in the US. The leading role was played by Mark Wahlberg, and he seems to be in leather constantly. To our knowledge he never wore leather while he was a 'pop star' himself though, when he used to be in his band "Marky Mark and the Funky Bunch". Daredevil (2003) a comic book story turned into film, brought us Ben Affleck in a tight red leather suit.

Left to right: Ben Affleck, Mark Wahlberg and James Marsden.

In the late nineteen nineties it was not only fashionable for pop musicians to wear leather, actors too were to be seen in leather pants very often. Actors of the silver screen and television actors alike, wore leather pants on, and even more so off the screen!

A random number of actors in leather pants.

In the first few years of the new century wearing leather pants was not a mainstream thing anymore. There are not many examples of leather in movies, unless they are sequels like X-men II and III that do have men wearing leather suits.

Left: Hugh Jackman in X-men III
Right: Edward Speleers in Eragon.

But adventure movies may change that. One example is the 2006 movie "Eragon" in which a number of characters wear leather pants, including Edward Speleers playing the leading role. Even though he is not wearing black leather but brown.

It would be nice to see more films with characters wearing leather pants. It would help making wearing leather more accepted again.


Selena Gomez

Selena Gomez is a multi-talented performer with featured roles on the screen, both small and big, and a musical career that reached the summit of the charts from the very beginning and stayed planted there for many years. Her group Selena Gomez & the Scene issued a trio of breezy modern pop albums from 2009 to 2011 that each hit the Top Ten. After going solo, she scored a pair of number ones with the more adult-oriented Stars Dance (2013) and Revival (2015), then branched out into new sounds on collaborations with Kygo ("It Ain't Me") and Marshmello ("Wolves"). She reached the top of the singles chart for the first time with "Lose You to Love Me" (2019), a soul-searching ballad that delved into Gomez's real-life relationships and marked a new openness in her lyrical approach. In 2021, she delved into Latin pop for the first time with the Revelación EP.

Born in 1992, Gomez grew up in Texas and got her first break as a cast member on the kids' TV show Barney and Friends. She landed minor roles in several other TV programs, but it was her affiliation with the Disney Channel -- which discovered her during a nationwide talent search in 2004 -- that officially jump-started her acting career. Guest appearances on The Suite Life of Zach and Cody and Hannah Montana paved the way for Gomez's own show, The Wizards of Waverly Place, which premiered in October 2007 and quickly became one of the network's most popular programs. Gomez began juggling her commitment to The Wizards of Waverly Place with additional projects, including movie roles and a burgeoning singing career.

She began branching out into pop music by recording songs for her own Disney projects. She sang the theme song for The Wizards of Waverly Place, recorded several other tunes for the show's soundtrack, and performed on the soundtrack of the family film Another Cinderella Story. By 2009, she'd also assembled her own teen pop band, Selena Gomez & the Scene, and signed a contract with Hollywood Records. The band's full-length debut, Kiss & Tell, was released that year and went gold, as did its 2010 follow-up, A Year Without Rain. Gomez continued filming The Wizards of Waverly Place and made her theatrical debut in the 2010 film adaptation of Ramona and Beezus, but her music garnered just as much attention.

When The Wizards of Waverly Place started airing its final season in November 2010, Gomez shifted her attention back to her band, whose third album, When the Sun Goes Down, was recorded in early 2011 and released later that year. She then took a break from music to focus more on acting, with her first role in a decidedly adult movie in 2013's Spring Breakers showing she could stretch beyond teen stardom. Her return to music in 2013 with her fourth album -- but the first credited to her as a solo artist -- also showed some stretching as she added dubstep, R&B, and EDM to her sound. Stars Dance was released in July 2013 and debuted at number one on the Billboard 200. The rest of that year was a bit challenging for her, as she fired her management team and parted ways with Hollywood Records. She soon bounced back, though, and scored a deal with Interscope. One last Hollywood album, a contract-fulfilling hits collection titled For You, was released in late 2014 and featured the self-penned platinum single "The Heart Wants What It Wants."

In early 2015, Gomez guested on Zedd's hit EDM single "I Want You to Know." On the heels of that success, she released her own single, the Sir Nolan- and Nick Monson-produced "Good for You," which featured a guest appearance by the song's co-writer, rapper A$AP Rocky. The song featured on the 2015 album Revival, her first for Interscope. With production by Mattman & Robin, Hit-Boy, and Benny Blanco, among others, and songwriting credits for Charli XCX, Julia Michaels, and Chloe Angelides, the album had many collaborators. Gomez executive produced, though, and shared writing credits on six songs, making it her most personal effort to date. It entered the Billboard 200 at the top and spawned three singles that reached the Top Ten on the Top 40 chart. While touring in support of Revival, Gomez cut the trek short to address personal health problems stemming from her lupus, later revealing that during her time away from the spotlight she underwent a kidney transplant.

Re-emerging at the end of 2016, she collaborated on singles with Kygo ("It Ain't Me") and Marshmello ("Wolves"), both charting in the Top 20 of the Billboard Hot 100 in 2017. The next year was a busy one for Gomez as she acted in the movie A Rainy Day in New York, served as executive producer of the Netflix show Thirteen Reasons Why, and worked with Marshmello on the Top 20 single "Wolves." She also issued the solo singles "Bad Liar" and "Fetish," which featured rapper Gucci Mane. In 2018, she contributed the song "Back to You" to the 13 Reasons Why: Season 2 soundtrack, joined with DJ Snake, Cardi B, and Ozuna on "Taki Taki," and sang the hook on Benny Blanco's single "I Can't Get Enough." While working on an album in 2019, she also executive-produced the HBO series Living Undocumented and appeared in the Jim Jarmusch zombie comedy The Dead Don't Die. Near the end of the year, she released the confessional ballad "Lose You to Love Me" and it became her first single to reach the top of the Billboard charts.

The song set the tone for her sixth album, Rare, a collection of tracks that explored aspects of Gomez's life in ways her previous work hadn't. It featured the usual crop of heavy-hitters behind the scenes, including Mattman & Robin, Justin Tranter, and Julia Michaels, and entered the Billboard 200 at number one in January 2020. The following year saw Gomez issue her first full-length Spanish-language project, the Revelación EP, which featured contributions from DJ Snake, Myke Towers, and Rauw Alejandro.


Ver el vídeo: Los Van Van Cuba 1976 Full Album (Enero 2022).

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