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Escena del torneo medieval

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Justas y torneos: la historia

Los torneos y justas a menudo se llevaban a cabo como parte de las celebraciones de eventos importantes desde finales de la Edad Media hasta el Renacimiento, y con frecuencia los términos eran intercambiables. Puede parecer extraño hoy, pero los reyes y príncipes se enorgullecían de su habilidad marcial y disfrutaban poniendo a prueba su destreza en estos eventos. El ideal medieval era que aquellos dignos de amor serían los mejores luchadores y, al hacerlo, honrarían a quienes los amaban.

Estas competiciones eran esencialmente eventos por equipos. Si bien se notó y recompensó la destreza individual, fue el equipo y no el individuo el que ganó o perdió. La división más común fue en inquilino y venan - efectivamente, los que mantuvieron el terreno y los que intentaron tomar el terreno, o, para decirlo en términos deportivos modernos, el equipo local y los visitantes. El resultado se decidió por qué equipo anotó la mayor cantidad de puntos por medio de victorias (torneo) o ataques / hits (justa). Algunas de las hojas de puntuación han sobrevivido hasta el día de hoy.

Los campeones individuales a menudo eran reconocidos por ambos lados, y no eran necesariamente los que habían obtenido la mayor cantidad de victorias, sino los que habían luchado con más valentía y destreza ante los ojos de las damas. Los premios no eran monetarios, sino a menudo en forma de una ficha, como un broche o un cinturón, que aún podían tener un valor considerable. Un loro que habla y un pez grande también se han registrado como premios del torneo. Los premios fueron entregados por las damas, generalmente acompañados de un beso. Un caballero verdaderamente valiente a menudo se lamentaba de no haber sido campeón & # 8211 no por el premio o la fama, ¡sino por el beso!

Aunque estas competiciones a menudo se libraban con armas desafiladas conocidas como & # 8216armas de la paz & # 8217, seguía siendo un deporte peligroso y muchos caballeros, príncipes e incluso reyes resultaron gravemente heridos o incluso asesinados. Sin embargo, esto no debería ser demasiado sorprendente si tenemos en cuenta que el objetivo de los juegos era vencer a tu oponente para que se sometiera con una espada o un hacha o desarmarlo apuntándole con una lanza a la cabeza mientras galopaba.

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Caballero y Justas Medievales

Imagen del (Codex Manesse sobre material de pergamino, siglo XIV) que muestra al duque Juan de Brabante yendo a la batalla. Consiguió su victoria en la Batalla de Worringen en 1288 pero murió en 1294 por las consecuencias de una lesión en el torneo. Fuente de la imagen Universitätsbibliothek Heidelberg

El torneo medieval es una de las imágenes perdurables de la Edad Media, con caballeros luchando para impresionar a bellas e inalcanzables damas. En realidad, las justas eran un deporte peligroso y los participantes llevaban años de entrenamiento antes de arriesgar su seguridad en un torneo. Las justas fueron más populares entre los siglos X y XV. Era un deporte de espectadores vertiginoso y colorido, con caballeros montados a caballo, decorados con el escudo de armas de los nobles que representaban. Se llevó a cabo un torneo en un campo llamado las listas y en el período medieval tardío, los castillos a menudo tenían sus propias listas a la vista de los edificios del castillo. Días antes de la justa, los caballeros participantes se reunían en la zona, con el escudo de armas del caballero en exhibición en las ventanas de sus alojamientos. Las listas se publicarían antes del gran evento, nombrando a los combatientes, las reglas del torneo y el tipo de combate y armas permitidas.

El deporte de las justas fue favorecido por reyes y nobles, ya que era una forma de mantener a los caballeros en condiciones óptimas de lucha y desarrollar sus habilidades de guerra, que podrían ser necesarias en cualquier momento. Los Caballeros disfrutaron de los torneos ya que tenían la gloria de luchar y la emoción de ser observados por una audiencia agradecida, sin la incomodidad de una guerra que se libra lejos de casa. Tradicionalmente, un caballero cabalgaba en un torneo para una dama, generalmente alguien que estaba casado y por encima de él en la escala social. La dama le daría su favor, algo así como una cinta para el cabello o un pañuelo, y el caballero cabalgaría con el favor adjunto a su ropa durante el torneo.

Para comenzar la justa, un heraldo señalaba la carga y los caballos cargaban entre sí, cada uno montado por un caballero armado con una lanza (un palo largo generalmente de madera). El objetivo de la justa era desbancar al oponente, pero a veces se otorgaban puntos por golpear al otro caballero. Si ninguno de los caballeros se desmontaba de su caballo, los dos hombres harían girar sus caballos y volverían a cargarse el uno contra el otro.

Caballos en justas

Los caballos utilizados para las justas fueron criados para un gran peso y entrenados para correr a la velocidad exacta necesaria para la carga sin inmutarse. El caballo tenía que ser lo suficientemente fuerte para llevar al caballero y su armadura y lo suficientemente tranquilo para actuar frente a una multitud que lo vitoreaba. En los primeros torneos, el perdedor en un cargo cedería su caballo al caballo ganador. A medida que pasaban los años, el ganador solía recibir dinero en su lugar.

Lesiones durante un torneo medieval

Cualquiera que sea el premio, los participantes corrían un gran riesgo y no era inusual que un caballero se rompiera los huesos que caían de su caballo o por el golpe de la lanza de un oponente. Las muertes no eran infrecuentes. Un ejemplo notable de 1379 fue un accidente de justas que involucró al segundo conde de Salisbury que mató a su propio hijo durante un torneo. A medida que avanzaba la Edad Media, la lucha en una justa se volvió más ritualista y los jinetes corrían menos peligro, y el espectáculo y la ceremonia se volvieron más importantes que la asunción de riesgos. El Estatuto de Armas para los Torneos de 1292 fue un punto de inflexión en la historia de las justas, estipulando que los caballeros tenían que acatar las reglas de la caballería. Las lanzas ahora estaban desafiladas y el público esperaba ver una buena conducción y un juego limpio, en lugar de una pelea a muerte.

Trueque, James, un caballero medieval, (La vida laboral) [Lucent Books, 2005]

El autor R. Bellerby publicó este artículo por primera vez en Mart 2008.


Cuerpo a cuerpo a Pied

El combate a pie fue una característica de algunos torneos, lo que refleja la realidad de la guerra. Desde finales del siglo XIII en adelante, la infantería logró cada vez más derrotar a los hombres de armas montados, con batallas tan famosas como la victoria escocesa en Stirling Bridge. Los hombres de armas siempre habían tenido que saber luchar a pie, tanto en los asedios como cuando quedaban desmontados. Ahora a menudo luchaban a pie desde el comienzo de la batalla, como lo demostraron los ingleses en Crécy, Poitiers y Agincourt.

los cuerpo a cuerpo un pied, o el combate a pie, se convirtió en una parte popular de los torneos. Los grandes nobles a veces invertían tanto en equipo para esto como en su armadura de justas. Las Armerías Reales Británicas en Leeds contienen varias armaduras construidas especialmente para que Enrique VIII las usara en los torneos, y cuyo diseño era claramente para luchar a pie en lugar de desde la silla de montar. En al menos una ocasión, Henry ordenó una nueva y costosa armadura para un torneo, solo para que le armaran otra con la armadura que ya tenía, ya que el conjunto especialmente diseñado no estaría listo a tiempo.


Contenido

Edición antigua

La historia de las peleas en el escenario y los combates simulados se remonta a la antigüedad, y se cita a Aristóteles señalando que la tragedia es un conflicto entre personas [2] o, de hecho, puede remontarse a los orígenes de la especie humana y el comportamiento de exhibición de los primates. La demostración de aptitud marcial es un hecho natural en las sociedades guerreras, y las formas ritualizadas de simulacros de combate a menudo evolucionan hacia danzas de guerra. Ya sea la lucha entre los hombres y mujeres de la Lisístrata de Aristófanes en la Antigua Grecia o el Antiguo Egipto, donde Heródoto en sus Historias habla de una fiesta religiosa en la que se golpean entre sí con palos pero nadie muere, el combate escénico siempre ha existido. [3] Como no tiene sentido sacrificar ciudadanos en rituales, muchas civilizaciones antiguas recurrieron a gestos simbólicos de combate a través del baile o llevar un arma a la garganta o el cuello de alguien sin tocarlo para simbolizar la muerte o un acto de violencia. [ cita necesaria ]

Edición posclásica

Las luchas organizadas por entretenimiento también pueden ser serias para los combatientes, como fue el caso de los gladiadores romanos, y cualquier duelo público, como el duelo judicial de la Edad Media europea. El torneo y la justa medievales son ejemplos clásicos de simulacros de combate ritualizados competitivos. La justa de la época de Maximiliano I se convirtió en un deporte con un costo enorme para cada caballero y un prestigio correspondientemente alto, comparable a las carreras de Fórmula 1 contemporáneas, mientras que al mismo tiempo minimiza el peligro de lesiones con equipos altamente especializados.

A finales de la Edad Media, los combates de esgrima organizados, con o sin coreografía, se hicieron populares entre las escuelas de esgrima. Algunos fechtbuch alemanes ("manuales de combate", literalmente 'lucha' o 'libro de vallas') tienen secciones dedicadas a técnicas extravagantes para ser empleadas en tales Klopffechten ("lucha knockabout"), que no sería práctico en un combate serio, y los maestros alemanes de la Baja Edad Media distinguen las peleas simuladas (fechten zu schimpf, 'pelea de peroratas') y combate real (fechten zu ernst, 'lucha seria').

La historia del combate teatral europeo tiene sus raíces en el teatro medieval y se vuelve tangible en el drama isabelino. Richard Tarlton, que fue miembro de la compañía de actores de William Shakespeare y del gremio de armas London Masters of Defense, fue uno de los primeros directores de lucha en el sentido moderno. [4] Los duelos de espadas representados en las obras de teatro mostraron cuán popular era el pasatiempo en la vida real. Antes de 1615 en Inglaterra, muchas obras presentaban duelos y los duelos se consideraban lo más destacado del espectáculo. A diferencia de después de 1615, cuando el rey Jacobo condenó públicamente los duelos y los duelos se utilizaron como último recurso en lo que respecta al complot. [5]

Edición moderna

Durante finales del siglo XVII y principios del XVIII, el combate escénico estilizado ha sido una característica básica de las artes escénicas tradicionales durante siglos, como en el japonés. Kabuki teatro (como tachimawari "escenas de lucha"), la Ópera china de Beijing y el teatro indio.

Los maestros de esgrima en Europa comenzaron a investigar y experimentar con técnicas históricas de esgrima, con armas como la espada a dos manos, el estoque y la espada pequeña, y a instruir a los actores en su uso. Entre ellos se destacó George Dubois, un director de lucha y artista marcial parisino que creó estilos de esgrima de actuación basados ​​en el combate de gladiadores, así como en la esgrima con espadas y dagas del Renacimiento. Egerton Castle y el capitán Alfred Hutton de Londres también participaron tanto en la revitalización de sistemas de vallas antiguas como en la enseñanza de estos estilos a los actores. [6]

Durante finales del siglo XIX y principios del XX, las escenas de manejo de espadas en producciones teatrales en gira por toda Europa, la Commonwealth británica y los Estados Unidos se crearon típicamente combinando varias rutinas genéricas ampliamente conocidas conocidas como "combates estándar", identificados por nombres como el "Round Eights" y los "Glasgow Diez".

La esgrima cinematográfica tiene sus raíces en la década de 1920, con las películas de Douglas Fairbanks. Uno de los directores de peleas más celebrados que surgió en esta época fue Paddy Crean, quien revolucionó el combate escénico, específicamente el juego de espadas, para la pantalla grande y el teatro. Paddy creó el estilo extravagante de juego con la espada que se puede ver en las películas de Errol Flynn, entre otras. Promovió el uso de la seguridad por encima de todas las cosas y luego se centró en la historia de la pelea. [7] B. H. Barry y J. Allen Suddeth, estudiantes de Paddy Crean, son dos maestros de la lucha que han continuado desarrollando el legado de Paddy. Barry ayudó a fundar la Society of British Fight Directors y luego vino a los Estados Unidos para darle una forma más específica a la dirección de la pelea. [8] J. Allen Suddeth fundó el Programa Nacional de Entrenamiento de Directores de Pelea en los Estados Unidos y escribió el libro "Dirección de Pelea para el Teatro" (1996). [9] Las películas de artes marciales emergen como un género distinto a partir de la década de 1940, popularizado por Bruce Lee y Sonny Chiba a partir de la década de 1960.

A partir de mediados de la década de 1960, John Waller, un pionero en el renacimiento de las artes marciales históricas europeas (HEMA), fue director de lucha para teatro y pantalla, y más tarde profesor de combate escénico en las escuelas de teatro de Londres, con énfasis en la historia histórica. realismo. [10] Los gremios informales de coreógrafos de lucha comenzaron a tomar forma en la década de 1970 con el establecimiento de The Society of British Fight Directors, de 1969 a 1996. El entrenamiento se estableció en los Estados Unidos con la formación de la Society of American Fight Directors en 1977.

Después de esto, se han establecido más academias y asociaciones en todo el mundo para defender el oficio, la capacitación y la calidad del trabajo en la forma de arte del combate escénico a nivel nacional e internacional, que incluyen: The British Academy Of Stage & amp Screen Combat (BASSC) y Fight Directors Canada. (FDC) en 1993 la Society of Australian Fight Directors Inc. (SAFDi) en 1994 la Nordic Stage Fight Society (NSFS) y la New Zealand Stage Combat Society en 1995 la British Academy of Dramatic Combat (BADC, anteriormente conocida como The Society of British Fight Directors) en 1996 Art of Combat en 1997 Stage Combat Deutschland en 2004 y la Australian Stage Combat Association (ASCA) en 2010 The British Guild of Stage Combat en 2015. A partir de 2005, East 15 Acting School, Londres ofreció un BA (Hons) Grado en Actuación y combate escénico. Muchas de las sociedades ofrecen programas de certificación para diferentes armas, que se utilizan como indicador de cuánto entrenamiento ha tenido un actor.

El entrenamiento de combate escénico incluye habilidades de combate sin armas tales como bofetadas ilusorias, puñetazos, patadas, técnicas de lanzamiento y sujeción, adaptaciones teatrales de varias formas de esgrima, como estoque y daga, espada pequeña y espada ancha, así como el uso de otras armas, en particular el bastón y el bastón. cuchillos y habilidades más especializadas como la lucha libre profesional y diferentes estilos de artes marciales. Sin embargo, el combate en el escenario puede incluir cualquier forma de violencia coreografiada y las opciones están limitadas solo por preocupaciones de seguridad y la capacidad de los participantes involucrados. Como nota, la mayoría de estas técnicas se extraen de técnicas de lucha reales, pero se modifican para ser más seguras para los actores. Por ejemplo, aunque hay varias formas de crear la ilusión segura de una bofetada en la cara (que obviamente es algo que realmente se podría hacer en combate), ninguna de ellas implica hacer contacto real con la cara de la víctima.

La preocupación primordial es la seguridad de los actores y la audiencia. Este requisito ha llevado a la adaptación de muchas artes marciales estándar y habilidades de esgrima específicamente para el desempeño. Por ejemplo, muchos ataques básicos con espada y paradas deben modificarse para garantizar que los actores no pasen las puntas de sus armas más allá de la cara de su compañero o arriesguen inadvertidamente la salud y el bienestar del otro actor. Las acciones de ataque en el combate escénico se extienden más allá del cuerpo del compañero de actuación, o apuntan lejos de sus objetivos aparentes. Del mismo modo, mientras que sus personajes pueden participar en un feroz combate sin armas, los actores deben operar con un alto nivel de complicidad y comunicación para garantizar una escena de pelea segura y emocionante. En muchas formas de combate escénico, la distancia es un factor clave en la técnica. Muchos ataques se realizan "fuera de distancia" para que no haya posibilidad de que un ejecutante golpee accidentalmente al otro. Se requiere un juicio profesional considerable para determinar qué nivel técnico puede ser apropiado para un intérprete determinado, teniendo en cuenta el tiempo de ensayo asignado y las expectativas del director.

Otro elemento importante del combate escénico es el sonido. El sonido aumenta la credibilidad de una acción para la audiencia. Hay dos tipos de sonidos que se pueden hacer. Uno son las reacciones vocales. Al agregar un grito ahogado, gemido o gruñido cuando son golpeados, los combatientes hacen que los movimientos cobren vida. El otro tipo de sonido es un knap o un sonido de percusión que se produce al golpear una parte resonante del cuerpo. [11] Esto está programado para el momento en que ocurriría un impacto y está organizado de manera que esté oculto a la audiencia. Esto permite que la audiencia crea que ha recibido un golpe o una bofetada real porque escuchan un sonido correspondiente y ven una reacción.

La fase de combate de un ensayo teatral se conoce como ensayo de lucha. La coreografía generalmente se aprende paso a paso y se practica al principio muy lentamente antes de aumentar a una velocidad que sea dramáticamente convincente y segura para los artistas y su audiencia. Incluso el combate escénico es arriesgado y es preferible que los actores tengan la mayor formación y experiencia posible. Cada vez se realiza una "llamada de pelea" o un breve ensayo antes del espectáculo, reservado para que los actores "marquen" la pelea para aumentar su memoria muscular. Un espectáculo que incluye coreografías de lucha normalmente será entrenado y supervisado por un coreógrafo de lucha profesional y también puede incluir un capitán de pelea, que realiza llamadas de lucha y se asegura de que los actores permanezcan seguros durante la duración del espectáculo.

Los estilos de lucha en las películas ambientadas en los períodos medieval o renacentista pueden ser poco realistas e históricamente inexactos. La mayoría de los coreógrafos de lucha utilizan una mezcla de artes marciales asiáticas y esgrima deportiva para recrear escenas de lucha. Esto generalmente se debe al aspecto de los combates que pide el director. Si el director quiere que la historia fluya de cierta manera, entonces el director de peleas coreografiará las peleas para que se ajusten a ese estilo y contará la historia.

Para el combate escénico, todos los bordes deben estar desafilados y las puntas desafiladas para que no haya riesgo de lesiones graves si alguien es apuñalado accidentalmente. Además, las armas que se utilizan, y no solo para exhibición, deben estar certificadas como listas para el combate, evitando así cualquier accidente que involucre la rotura accidental de cuchillas.

Cuerpo a cuerpo Editar

Las armas cuerpo a cuerpo se utilizan en grandes escenas de batalla y pueden incluir lanzas, hachas, mazas, mayales y más. Estas son otras armas que se utilizan mejor en espacios de juego grandes donde hay espacio para trabajar a una distancia segura.

Stick-Fighting Editar

Los Quarterstaffs se utilizan en espectáculos que se realizan en grandes espacios de juego debido al gran tamaño del arma. La pelea de quarterstaff más popular es la entre Robin Hood y Little John en la historia de Robin Hood de la balada del siglo XVII. La coreografía moderna del bastón también ha integrado las técnicas del bastón bo del arte marcial japonés Tenshin Shōden Katori Shintō-ryū, que se originó alrededor de 1447. Se pueden ver ejemplos de este estilo en la famosa obra de Kabuki. Yoshitsune Senbon Zakura escrito en 1748. [ cita necesaria ]

Asiático Editar

Otras armas como una katana, una espada de estilo japonés que se curva en un lado y nunchucks también se pueden usar en el escenario. Estos requieren un estudio más detallado de las artes marciales japonesas. Se pueden comprar versiones de combate escénico de nunchucks que son de espuma en lugar de madera, lo que reduce el peligro para los actores.

Edición europea

Espada grande de uso común a principios de la Edad Media en Europa. La espada se destacaba por su gran empuñadura que permitía empuñarla con ambas manos debido a su tamaño y peso. Usada para cortar en lugar de apuñalar, esta arma se usa en obras de teatro ambientadas en este período como la de Shakespeare. Macbeth y también se ve en epopeyas fantásticas como señor de los Anillos.

La primera escuela de instrucción sobre el uso correcto del estoque en Inglaterra fue iniciada en 1576 por Rocco Bonetti de Italia. [12] Bonetti se hizo cargo del contrato de arrendamiento del dramaturgo John Lyly para abrir su escuela en Blackfriars. [13] El estoque tiene la ventaja de empujar sobre el corte, lo que significa que podría ser un arma mucho más pequeña y ligera que la espada. Es popular en obras de Shakespeare como Romeo y Julieta y Aldea donde se realizan duelos y se puede usar en combinación con una daga.

La espada pequeña se puso de moda en Inglaterra y Francia a finales del siglo XVII. [12] Se usó como arma de empuje, por lo que los movimientos de la espada se mantuvieron mínimos para encontrar la abertura en la que pudiera aterrizar una estocada. La mayoría de los hombres de la época llevaban espadas pequeñas como accesorios de moda, por lo que la mayoría estaban elegantemente ornamentadas. Un ejemplo de duelo con espadas pequeñas se puede ver en Les Liaisons Dangereuses de Christopher Hampton escrita en 1985, basada en la novela de 1782 del mismo nombre.

Hay muchos estilos de lucha con cuchillos, desde el cuchillo Bowie hasta una navaja automática. Las peleas con cuchillos tienden a tener movimientos rápidos y afilados. Un ejemplo de esto se puede ver en West Side StoryLa pelea entre Riff y Bernardo. Sin embargo, a menudo en las obras de teatro, es un actor con un cuchillo contra alguien que está desarmado como en el Acto I de la ópera de Georges Bizet. Carmen, escrito en 1875.

La espada y los escudos que se usan en el combate escénico suelen ser redondos y lo suficientemente fuertes como para que puedan usarse como arma defensiva y ofensiva. Un elemento importante en el uso de un escudo es sostener el brazo del escudo en una diagonal superior de modo que el puño esté más alto que el codo para que la parte superior del escudo no se mueva cuando se golpea, y el peligro de ser golpeado en la cara con el escudo o el Se puede evitar el uso de armas para golpearlo. La espada y los escudos se pueden encontrar en escenas de batalla como en las obras de historia de Shakespeare's Wars of the Roses.

Armas Editar

Un elemento básico de las películas de acción modernas debido a su espectáculo visual, resultado de coreografías y acrobacias a menudo impresionantes.

Cuerpos y botellas Editar

Consiste en un combate cuerpo a cuerpo sin armas. Los elementos del combate sin armas incluyen bofetadas, puñetazos, patadas, agarres, estrangulamientos, caídas, volteretas, agarres, entre otros. Muchos directores de peleas confían en combinaciones de peleas callejeras desordenadas y artes marciales como el aikido y el jiu-jitsu brasileño para crear peleas de esta naturaleza. Generalmente más común en las obras contemporáneas modernas, después de que las espadas han pasado de moda, pero también se ven en obras más antiguas como la de Shakespeare. OTELO cuando Otelo estrangula a Desdémona.

Los objetos encontrados son objetos que no son tradicionalmente armas pero que pueden usarse en el contexto de la escena. Un ejemplo clásico de esto es romper una botella sobre la cabeza de alguien. Al igual que con todos los combates en el escenario, los objetos están manipulados para no representar ningún peligro para los destinatarios. En el caso de botellas o platos, se utilizan moldes de vidrio de azúcar en lugar de botellas de vidrio reales.

La coreografía de lucha puede variar ampliamente desde el realismo real hasta la fantasía absoluta, dependiendo de los requisitos de una producción en particular. Una de las principales razones por las que los directores de peleas teatrales a menudo no apuntan a un realismo estricto es que la audiencia en vivo no podría seguir fácilmente la 'historia' de la acción si los cuerpos y las espadas se movieran en la forma en que los luchadores entrenados los moverían. Por ejemplo, una producción de Cyrano de Bergerac, de Edmond Rostand, usando estoques del siglo XVII, podría mostrar a Cyrano haciendo muchos ataques de corte circular. Pero un ataque más eficiente y práctico sería tomar una línea más rápida y directa hacia el cuerpo del oponente. Pero el director de la pelea sabe que el público no podría seguir la acción también si los ataques fueran más rápidos (es posible que el público apenas pueda ver las finas cuchillas azotar el aire), por lo que la mayoría de los coreógrafos de peleas tomarían decisiones para ayudar a la audiencia. sigue la historia. Por supuesto, esto depende de la producción, el director y otras elecciones estilísticas.

El pensamiento de un coreógrafo de la escuela de lucha dice que un aspecto inusual del combate en vivo, como en una obra de teatro, es que el público reaccionará negativamente incluso a la violencia simulada si temen que los actores estén siendo lastimados: por ejemplo, si un actor es realmente abofeteado. En el rostro, el público dejará de pensar en el personaje y, en cambio, se preocupará por el intérprete. El público también puede temer por su propia seguridad si las grandes escenas de combate parecen estar fuera de control. Por lo tanto, el combate en el escenario no es simplemente una técnica de seguridad, sino que también es importante para que la audiencia mantenga una suspensión ininterrumpida de la incredulidad.

En el teatro Editar

Con sus raíces en el teatro medieval, el combate escénico ingresa a la coreografía del teatro clásico con el drama isabelino (la dirección escénica simple y a menudo vista de Shakespeare, Ellos pelean).


Armadura

Las justas fueron populares desde la Alta Edad Media hasta principios del siglo XVII, cuando fueron reemplazadas como el punto culminante de las festividades de la corte por grandes exhibiciones de "ballet de caballos" llamadas carruseles, aunque las competencias que no eran de combate, como el ring-tilt, duraron hasta el siglo XVIII. siglo.

Durante el período en que las justas eran populares, la armadura evolucionó a partir de una cota de malla (llamada simplemente correo en ese momento), con un casco sólido y pesado, llamado "gran yelmo", y un escudo.

Hacia 1400 los caballeros vestían armaduras de placas completas, llamadas "arnés". Un arnés completo con frecuencia incluía piezas adicionales específicamente para su uso en justas, de modo que un traje de combate militar ligero podría reforzarse con placas protectoras más pesadas y "atornilladas" en la coraza (peto) y el casco, y también con el brazo y el brazo específicos para justas. Hombreras, que cambiaban la movilidad por una protección adicional. Estas piezas adicionales solían ser mucho más fuertes en el lado que se esperaba que recibiera el impacto de la lanza.

A veces se usaban cascos especiales para justas, hechos de modo que el usuario solo pudiera ver hacia afuera inclinándose hacia adelante. Si el usuario se enderezaba justo antes del impacto de la lanza, los ojos estarían completamente protegidos. Algunos trajes posteriores tenían un pequeño escudo incorporado en el lado izquierdo de la armadura. En algunos casos, este fue cargado por resorte para volar en pedazos si es golpeado correctamente por la lanza del oponente.

Lanza

En los tiempos modernos, las justas se realizan a menudo con fines de exhibición o demostración, y las lanzas que se utilizan suelen estar hechas de madera clara y preparadas para que se rompan ("tiemblen") con facilidad. Las lanzas suelen estar decoradas con rayas o con los colores del escudo de armas de un caballero. En una justa real, las lanzas eran de roble macizo y se necesitaba un golpe significativo para romperlas. Sin embargo, las lanzas (romas) no suelen penetrar el acero. Los arneses que llevaban los caballeros estaban forrados por dentro con abundante tela para suavizar el golpe de la lanza.


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Original epic medieval track, filled with colors of Slavic mythology, and the heroic Viking epos. A powerful folklore melody excites the imagination and takes it to a fairy tale with valiant warriors, brave travelers, beautiful girls, and amazing wild nature. The unique Slavic fantasy flavor is created by such instruments as Zhaleika, flute, violin, balalaika, orchestra, cello, epic drums, brass. The track is ideal for games and videos with Russian folk, Slavic themes, as well as reconstructions of historical events of the Slavic and Viking world.

A hypnotic, military bagpipe marching tune. Perfect for video games, video projects, St. Patricks Day events. Ideal for the historical documentary about Medieval Europe, Celts, the culture of Scotland.

An epic cinematic melody about Medieval times and heroes with courage and valor. Best for film trailers, historical movies, and video games with a fantasy plot. Also good for battle scenes where a brave knight fights against cruel monsters. Instruments are orchestral strings, drums, flute, brass.

Quirky and light little guitar playing very simple but emotion-full melodies. Sounds like Medieval times.

Short medieval style jig with Irish Celtic lilt melody. Very upbeat and catchy, with traditional hand clapping Irish styled melody. The instruments used include harmonica, acoustic guitars and mouth organ making it ideal for Irish themed advertising and TV broadcast projects.

Tavern Dance - is a new Celtic medieval track inspired by the legendary Witcher, in the spirit of a daring, energetic dance in a tavern. Original musical techniques recreate the emotional, cheerful atmosphere of the Ancient Tavern, where brave heroes, villains, and femme fatale allow themselves to forget about problems and embark on a frantic bright dance.

A delicate and dreamy acoustic harp solo. With a medieval and Celtic vibe, it would work really well in a fantasy setting as well. Perfect also for relaxation or meditation, ancient fairy tales, and fantasy books, cinematic goals, medieval film scenes, a beautiful soundscape, authentic performances.

Celtic music in medieval style. This composition portrays the expanse of the mountain and plains, rivers, and lakes of the ancient Celtic land. Incredible and powerful, this music will inspire everyone within sight or earshot. Instruments are violins, flute, and drums.

Gamalan and Bansuri Flute create this legendary, slightly epic slow composition designed to convey slow motion scenes for demonstration techniques or battle scenes conveying a medieval, acient legend edge . Very useful for relaxation purposes which may include martial arts or Tai Chi techniques for oriental purposes.

Village Festival is a loop with an Irish atmosphere, happy and rhythmic, with authentic strings, flute and violin. Great for rustic, medieval or Celtic style projects.

A dreamy and elegant medieval ballad about love and passion. This wonderful melody played first on the piano, but then strings join to create a rich and spectacular sound. Great background for fantasy films, heroic saga, historic documentary, epic video games, knights ready to fight for their beloved one.

This is triumphant, powerful music in cinematic orchestral style. Suitable for winners and conquerors, knights and warriors, victorious battles, and tournament. Instruments: cello, strings orchestra, drums. Best for the awards ceremony, video games, films.

Positive track with medieval melody. Featured instruments are synths and guitar. Good for casual flash games. It can be played in game menu or during gameplay.

Dangerous Escape - dramatic epic track, describes danger, fear, anxiety feelings. Best for action scenes, trailers, horror films, or games. Instruments: cello, orchestra, epic drums, violins.

Bonfire Dance - continues the cycle of Celtic epic Irish melodies. It's a magical story about riddles and fairy tales, kept for centuries in the shadow of an ancient mighty forest. This is an epic fantasy melody played by minstrels under the flashes of a night bonfire, the fable of medieval wanderings and adventures, victories and defeats, cowards and brave men, heroes, monsters and princesses. Instruments: guitar, flute, violin, cello, uilleann pipes, ancient drums. Best for games, films, YouTube videos.

Naughty Princess - Beautiful celtic melody in Irish slip jig style about fantasy kingdom, travel and adventures. Mood: Epic, medieval, cheerful, naughty, happy, fantastic, dreamy, magic, fairy. Instruments: strings orchestra, violin, cello, flute, darabuka, taiko drum, piano. Best for films, games, trailers, youtube videos.

Acoustic Celtic ballad in country-folk style. Great for peaceful moments, countryside nature, village life, mini-games for kids, prince and princess, as medieval traditional background and more.

Triumphant and dramatic Epic melody conjoins folk styles of fantasy Celtic, Slavic and Viking music. Instruments: Orchestra - strings, brass, woodwind, epic drums, solo violin and flute. Best for medieval fantasy games and films. Match to "Pirates Of The Caribbean" soundtrack.

Celtic, medieval piece. Perfecting for conveying a strange feeling of sadness, longing and wonder.

On a journey through music, we visit the magical world of the Baroque historic era. Imagine white mist floating around and gently tipping you towards a mysterious fantasy land, where everything is possible and nothing is improbable. Where magical dragons fly through the sky or fragile princesses ride away on unicorns. Where heroes are chasing their hopes and wishes riding griffins. Feels like these days we need this magical world more than ever, as it would give us the inner peace, serenity, and bliss. In the style of "Game Of Thrones" soundtrack.

A loop-ready, slightly dramatic tune that features acoustic guitars only in a style similar to a mid-tempo Sicilian tarantella. Suitable for projects involving the theme of romance, intrigue, European culture, Medieval history, dark age etc.

Beautiful medieval melody featuring flowing flute and dulcimer offers a slight Victorian style theme hinting at a romance, love or beauty story. The melody features English notes making it unique if applied to beautiful setting or surroundings such as garden, countryside, tourism or historical monument.

Celtic Irish epic ballad. This music will be best for film trailers, epic stories, video games, theatrical performances. Soaring guitar melodies and epic strings create a majestic atmosphere in the track. The piece is characterized by a soft steady beat of light drums, beautiful strings, and clapping elements.

Full-blown epic composition in medieval baroque style with dramatic mood and bombastic orchestral sound. Similar to Game of Thrones, or The Tudors soundtrack. Excellent soundscape for heroic cinematic plots, war games, opening intro, final triumph, film credits, documentaries about Middle ages, Valhalla heroes, honor, and eternal glory.

A celtic, medieval, guitar and harpsichord tune. Inspired for a fantasy rpg game.

A reflective, thoughtful, and tranquil Celtic background music. The harp solo sounds smoothly and gives a sense of peace and quiet. Perfect for cinematic projects, fairy tail narrations, forest elf games, Medieval documentaries, fabulous shimmer, and other project needing an outstanding folk soundscape.

A fun and jaunty loop featuring guitar, flutes, clarinet, and percussion that gives the feel of being the pomp and festivities of the renaissance and medieval times. Great for games!

Celtic fantasy music in epic ancient style about knights and dragons, spell and magic, heroism and valor, castles and fairytales. Instruments are violin, cello, flute, epic drums, orchestra, woodwind. Best for RPG games, fantasy films, and videos.

The typical "Gloria" in Latin, with mixed choir and full and dramatic orchestration. The poignant character of the piece lends itself to cinematic purposes

An original medieval dance all played live with acoustic instruments (no samples were used). Perfect for fantasy video, games, projects or for documentaries. Very lively mood

Simple, nostalgic piano melody played with a sad touch. Suitable for melancholic mood, romantic scenes of medieval life, loneliness, pensive state of mind, etc.

Slow and good mood, inspired by the love for nature, green valleys and mountain rivers. Flutes develop the melody with a medieval feeling

Leprechauns dance - Energetic irish melody, celtic fiddle dance. Instruments: orchestra, solo violin, horn, big drums. Best for video game, trailer or film.

Easy country music mix of banjo, guitars and flutes. Suitable for rustic scenes, medieval folk fest, early morning in the village, countryside life, travel documentaries, nature videos, and any other kinds of multimedia projects.

A folk, Celtic-style guitar and flute piece. Great background music for rural scenes, medieval life, castles, taverns, historical documentaries, distant times and places.

A dramatic orchestral tune, that could be used for cinematic scenes in videogames or trailers. The tune has two parts, the first one has a melody that can't grow up until it can explodes in the second part.

Calm cinematic composition featuring Celtic-flavored orchestral theme. An ideal underscore for fantasy films or fairytale plots, distant dreamscape, enchanting storytelling, traditional Gaelic documentaries, beautiful nature landscape. It is based on piano, guitar, dulcimer, harp, strings instruments, cello, viola, bass, solo strings, flute, bells, percussion, drums and more. Similar to Game of Thrones HBO series.

This is modern classical ceremonial and celebratory-triumphant music with harpsichord, strings, piano and orchestral instruments leading. This track has great Baroque and Rococo atmosphere with fanfares and solemn mood. This royalty free background music will be perfect for cinematic videos with antique royal environment, ceremonial videos, triumphant and victorious videos, videos in the style of the 17th-18th centuries, historical and documentaries movies, films about medieval Europe and more.

Early medieval music came through the Church and Christianity. Liturgy within the religion was a traditional communal worship which included ceremonious music. This leads directly on to Gregorian chants, which were vocal-only sacred songs for Roman Catholics. These were originally sung by choirs, and whilst the simple repetitive monotone melodies can be sung alone, they are generally intended as congregational singing, whose structures can become much more complex and intertwined.

The influence if these psalms is evident both immediately after, in the Renaissance and Baroque periods, and by composers such as Bach and Mozart, and then more recently in entirely different genres. The feelings that Gregorian chants now evoke are both spiritual and unsettling, which are appealing effects for certain sounds. In new-age and world music, this was used seriously, peaking surprisingly with the album Chant by Benedictine Monks, and in extreme music such as heavy metal and techno it was incorporated to evoke an other-worldliness.

Movies have also used the stereotypical chants for their benefit, particularly in England, where it was affectionately mocked in Monty Python's Holy Grail, and eerily affecting in The Wicker Man.

Through the medieval period, there was also music played by instruments. The most common when relating to these sounds are woodwinds such as the flute, plucked such as the harp, and strings such the violin. Instrumental music was more likely to be played for secular, or non-religious, purposes. This could be as entertainment for theatre, at a congregation for dance, or at a court performance for aristocracy. The music was often rhythmic improvisations, but as singers were added to the instrumentals over the years, became increasingly structured into songs.

The influence of these also continues today, less so in popular music, but in genres that respect ancient traditions such as these. Both orchestral classical music and folk music at times use instruments, melodies and techniques from the sounds on the medieval period, and its powerful primitive effect is one that is likely to be harnessed for many years more.


Bob Dylan was a troubadour. Or so they say. The romantic vision of a minstrel drifting from town to town with only a guitar, a sack of pennies, and a voice remains a burning focus of academia, art, and the Folk Renaissance of the 1960s. Though folk was always a rather romantic genre.

But how did the occupation of itinerant Medieval musicians become synonymous with a sporadic decade of folk music, and more specifically Bob Dylan? From the High Middle Ages to the 1960s, this is the story of the troubadour.

Image: trob-eu.net

Who were the troubadours?

The major contrast with the modern romantic conception of troubadours is that they were not wandering, wayfaring musicians. They generally remained with a wealthy patron travelling from court to ebullient court.

The High Middle Ages were a time of robust economic and population growth in Europe commencing around 1000 a.d. and ending roughly at the 13th Century. It was preceded by the Dark Ages and followed by the Late Middle Ages – noted for its calamities such as the Black Death. Nevertheless, they had it good for a few hundred years of cultural opulence.

The Renaissance of the 12th Century was a particularly high moment of the era. Knights became increasingly common as a rise in chivalry led to tournaments being invented as a way for serfs to earn their freedom. The Crusades also occurred between the 11th and 13th Century as a way to establish Christian rule in the ‘Holy Land’.

More than ever monastic militants prevailed and Christian rule dominated. Interestingly, troubadours became well known secular entertainers, moving beyond religious themes to explore love and politics. This is perhaps where the troubadours of the 1960s got their inspiration, railing against dominant power structures of their time.

The first troubadour with surviving work is Guilhem de Peiteus who lived between 1071-1126. A key part of the troubadours identity was that they performed their own original material, though some troubadours, such as Arnaut de Maruelh, employed additional musicians such as ‘jongluers’ to perform their work. This was not typical, drifting more towards minstrels, who recited poems or songs to accompaniment. A bard, on the other hand, would recite or write heroic or epic poetry without music and were often of Celtic origin.

While Medieval society was brutishly male dominated, there are instances wherein women rose to prominence. Female troubadours were known as ‘trobairitz’, as troubadour was typically a masculine word. While they were less surviving manuscripts demonstrate

Musical and poetic similarities

Troubadours composed their own music and coupled this with original lyrics, demonstrating their immense capability as musicians. Much like the folk artists of the 1960s their sheer originality saw them embraced by the era.

The most common instruments in the High Middle Ages were woodwind and stringed instruments. Woodwinds such as the pan flute or recorder were often used for accompaniment but were rarely the primary instrument of the troubadour.

Instead they opted for strings to that they could sing and play. Lutes, gitterns, psalteries, rebecs, or citherns were commonplace for troubadours. Again this simple arrangement mirrors the ideals of folk purists.

The most popular forms of troubadour song craft still survive to this day. The sonnet and the aubade, of which Bob Dylan wrote many – Tangled Up In Blue y One Too Many Mornings. A tenso is a particularly interesting genre which is sung as a two-voiced debate – Boots Of Spanish Leather.

Finally, the majority of musical compositions for troubadours were monophonic, meaning they sung one note at a time without harmonies. Monophonic compositions relate to the chanting music used in churches in the Early Middle Ages and were rather simple in nature.

Again this is a conviction of the folk purists. Just one voice and the golden strings.

The modern troubadour

While there are many ‘troubadours’ that defined the 1960s, none defined the culture quite like Bob Dylan. He has been called everything from a ‘broken leg dog’ to the embodiment of Ovid, but more than anything he personified the freewheeling ways of the troubadour.

The Freewheelin’ Bob Dylan (1963), The Times They Are A Changin’ (1964), and Bringing It All Back Hogar (1965) are widely recognised as folk masterpieces, carrying on the tradition of the troubadour into a distinctly modern context. Renowned Harvard Professor Richard F Thomas even published a book in 2017, Why Bob Dylan Matters, arguing a convincing case for why Dylan is a distant poetic relative of Virgil, Ovid, and Homer, continuing the stream of groundbreaking word play.

But Dylan isn’t just the supreme American troubadour. He has tried his hand at prose too. Chronicles: Volume One proved his efficacy for long form profundity crossed with great American storytelling, landing him somewhere between Kerouac and Whitman. And if Chronicles proved it, the 2016 Nobel Prize for Literature cemented it.

Overall the essential mystery at the heart of Dylan is that nobody can explain him, least of all Dylan himself. Joan Baez once said, “If you’re interested, [Bob] goes way, way deep.”

Like all great folk artists he defies transcription, and eludes literary elucidation. He is either singularly reflective or murky as a swamp, and like all great mirrors of society, he says what we always thought but couldn’t say. As we listen now, and in the past, and perhaps for centuries to come the sonorous truth of one line will resound: The times they are a changing.


The Coronation

Ella: At the end of the final joust, the winning knight goes into the crowd and chooses a Queen of Love and Beauty. On this special evening, the blue knight, accompanied by the princess, stepped from the tournament arena, walked past many deserving young girls, and stopped when he reached me. 

Urvija: As the knight walked over to our section, I was entirely expecting him to stop at a seven-year-old girl waving the $30 flag her parents bought her.

Ella: As was I. But no. Sorry ‘bout your dreams, kid. Tonight, this tiara and sash were meant for me.

Ella: There is something incredibly validating about being crowned queen by a victorious knight who chooses you personally from a pool of, in theory, 500 candidates. You start to think, “What is it about me that exudes such elegance such royalty?” In this case, the answer was probably “the knight got told by the marketing guy that the lady in the fifth seat was here reporting a story.” But still. It makes you think.


Ver el vídeo: Justa medieval (Diciembre 2022).

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